PRIMERA HOJA Una historia de éxito Las Tres Barrotraficantes

“Entraban a nuestro puesto y nos felicitaban y por un lado me sentía incómoda porque ellos no hablaban español, era puro inglés y sentía que me ignoraban. Luego veo que entran y ven piezas y las compran, y veo que se llevan 10 o 50 piezas y de ahí me quedé impresionada porque aquí en Oaxaca no se ve eso, fue impactante porque la gente valoraba mucho nuestra artesanía y no regateaban”, comentó Elia Mateo.

A principios de febrero, narra Kythzia Barrera, directora de Innovando la Tradición, cargamos hasta el tope nuestra camioneta y nos dirigimos llenos de barro y esperanza a la Ciudad de México.

“Viajamos con el sueño de participar con el Colectivo 1050° en la feria de arte contemporáneo más grande de nuestro país: ZSONA MACO. Sabíamos que no volveríamos a ser las mismas”, añadió.

Las tres alegres Barrotraficantes eran: Kythzia Barrera, directora de Innovando la Tradición; Ixchel Mulix, su mano derecha, y Elia Mateo, talentosa alfarera zapoteca de San Marcos Tlapazola.

Su stand —abarrotado de hermosa alfarería de todo Oaxaca y ubicado en la Zona de Compromiso Social— atrajo a la gente como si fuera pan caliente, deseosa de acercarse a esta milenaria tradición del barro y de llevarse un pedacito de Oaxaca a casa.

“No fue fácil. Tuvimos que remontar retos logísticos, prejuicios sociales y diferencias de lenguaje, pero el aprendizaje fue enorme, se afianzó nuestra confianza en que la sabiduría de vida que expresan los alfareros a través de sus objetos es más relevente que nunca. ¡Y rompimos récord de ventas!”, expresó.

Fue así como la directora de Innovando, agradeció a todos los que las visitaron en el stand durante esos días, y a todos los que les abrieron camino, de una u otra manera, para seguir avanzando en su misión de construir un México más justo, bello e incluyente.

 

La obra de Laura Rivera, en constante evolución

*Tras un año de abrir sus puertas el taller-galería “River’Arte”, lo que sigue es traer más exposiciones internacionales y seguir creando lazos con más organizaciones artísticas, así como con otras galerías del estado, del país y fuera de este, define su creadora

 

Claudia GONZÁLEZ

 

 

No es fácil abrevar el arte, no es fácil mantener vivo y progresivo un proyecto, como también no es nada fácil mostrar y enseñar a las niñas y niños la importancia que tiene el arte en nuestra educación y en nuestra formación como seres humanos, pero el taller-galería “River’Arte” lo está haciendo, lo está logrando, está demostrando que el arte puede cambiar mentes y puede formar a excelentes seres humanos que sean creadores de un mejor mundo, de una convivencia más integral y armoniosa entre los terrenales.

Además, “River’Arte” se ha vuelto epicentro del arte y la cultura en Huajuapan de León, de la región Mixteca.

Esta labor la ha mantenido la artista plástico Laura Rivera, quien ya lleva un largo camino entre los trazos, los matices, los colores, el costumbrismo que ha abrevado en su historia como ser humano, como mujer.

Por eso, tiempo después de confrontarse con la inspiración y el caballete, con tesón, mucho esfuerzo y unas ganas enormes de mostrar que el arte inspira, ennoblece, educa y engrandece el espíritu, pudo inaugurar el taller-galería “River’Arte”, un palacio de arte, y a un año de distancia, la maestra Laura Rivera celebrará este primer aniversario con mucha emoción y siguiendo a demostrar que el arte cambia mentes y propone una mejor estructura social y espiritual al ser humano.

Es por eso que este 20 de abril “River’Arte” celebró su primer aniversario, teniendo como sede del aniversario la Escuela Normal Experimental de Huajuapan de León, en la región Mixteca de Oaxaca.

Al charlar en exclusiva con la Maestra Laura Rivera, asegura que de las cosas más importantes que ha emprendido hasta el momento con “River’Arte”, es el número importante de niños y jóvenes a los que se les ha impartido clases de iniciación al dibujo y a la pintura.

“El trabajo colaborativo con diversas organizaciones artísticas internacionales, además de ser un espacio abierto para la expresión total de arte en la Mixteca, esto ha hecho que también “River’Arte” se haya mantenido abierto en forma continua durante un año”, sigue recapitulando la artista plástico sobre el aniversario del taller-galería.

Al hacer memoria de estos 12 meses con el espacio artístico, detalla que ha sido diversos pintores los que han desfilado en este epicentro del arte, entre ellos destacan durante el mes de abril y mayo del 2017, el artista plástico Elías Moreno Naranjo; además del alojamiento durante el mes de diciembre a la obra del maestro Iván Danilo Rincón Giraldo, llegado desde Colombia.

Por eso, la Maestra Laura Rivera remarca que no ha sido fácil mantenerse vigente durante un año, por lo que, señala, existe un fuerte compromiso con la promoción, apoyo e impulso de los artistas plásticos mixtecos, “y ser parte de la introducción al arte en los niños y jóvenes para forjarles el amor por las artes y alimentar su conciencia social”.

 

-¿Qué sigue para “River’Arte”?

 

-Traer más exposiciones internacionales y seguir creando lazos con más organizaciones artísticas, así como con otras galerías del estado, del país y fuera de este.

 

Laura Rivera agrega que tiene planes de convenios de colaboración con más artistas, colectivos, galerías o museos, y adelanta que tiene planes de exposiciones al extranjero, como por ejemplo Colombia, Los Ángeles y Las Vegas, en Estados Unidos, así como en estados del país, algo que hará que los convenios de colaboración y lazos entre demás espacios culturales se puedan reforzar.

Y enseguida pondera: “Pienso que estoy empezando a abrir las puertas necesarias para mi desarrollo en la pintura y con esto seguir mirando hacia el futuro con metas más grandes”.

De este modo, Laura Rivera define que existe en ella un fuerte crecimiento como artista, como creadora de arte, de ahí que las exposiciones, tanto colectivas, como individuales, se le estén abriendo, algo que hará que su arte sea mayor reconocido y admirado, puesto que en cada exposición sus trazos son más definidos, con más fuerza, encontrándose a sí misma, denotando un arte progresivo, maduro, concreto.

 

-¿El arte de Laura Rivera evoluciona?

 

-Sí, yo pienso que sí ha evolucionado al participar en diversas exposiciones colectivas, pero esto me exige a mí misma a mejorar mi técnica y abordar diversos temas de acuerdo a los cambios que suceden en nuestra sociedad.

 

Los próximos proyectos de la Maestra Laura Rivera y del taller-galería “River-Arte” ya los expuso, pero agrega que busca una exposición individual fuera de la ciudad de Huajuapan, además que el taller tiene proyectado seminarios que impartirán maestros nacionales e internacionales.

 

Compañía teatral de Argentina se presentará en La Locomotora Foro Escénico

Jenny SÁNCHEZ

Mañana 21 y el domingo  22 de Abril, a las 19 horas, en el foro La Locomotora,  se presenta la obra de teatro “Ofelia o Madre, no mires”, de la compañía Puro Cuento Teatro Itinerante, procedente de Argentina.

“Ofelia o Madre, no mires” “(Una obra para luchar)” cuenta con la actuación, dramaturgia y dirección de Ángeles Conde, una obra dirigida a personas mayores de 18 años.

Esta puesta en escena nos acerca a una realidad de nuestro tiempo a partir de un personaje emblemático, Ofelia, de la obra clásica Hamlet, de Shakespeare, y llegada hasta nuestros días en una historia sin fin de repetición. No es más que una mujer latinoamericana en el momento actual que, como tantas otras, luchará hasta la locura por defender su deseo y sus derechos. Esta obra irónica, transgresora y política nos sacudirá las emociones entre canciones, baile, títeres y locura.

Esta pieza cuenta con la actuación, dramaturgia y dirección de Ángeles Conde, creadora y fundadora de la compañía teatral, mientras que Francisco Álvarez está a cargo de la musicalización.

La compañía Puro Cuento Teatro Itinerante tiene su sede en Buenos Aires, Argentina, donde una parte del grupo se queda trabajando habitualmente, mientras otros integrantes viajan para presentarse en el extranjero.

María de los Ángeles Conde, fundadora de la compañía, comenta que la principal inquietud que la llevó a trabajar de este modo itinerante es construir una teatralidad en viaje, con la cual lleva casi dos años. “Apostamos a que es posible construir teatralidad en constante movimiento, desde lo que sería una vida nómada. Es no solo posible sino gratamente enriquecedor”, expresó.

Es la oportunidad para ver teatro feminista, teatro de otro lado, de Argentina, en este caso, una obra viva, donde la política de género y la lucha por la igualdad serán cruciales, una oportunidad para conmoverse, entretenerse y reflexionar.

La Locomotora Foro Escénico se ubica en la Calle Norte 1, #109 casi esquina Av. Ferrocarril.

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Llega a Oaxaca, Festival Internacional de Cine de la UNAM

Del 24 de abril al 2 de mayo de 2018 se realizará el séptimo año consecutivo OaxacCine que presentará una selección del Festival Internacional de Cine de la UNAM en Oaxaca. Los días 24, 25, 26, 30 de abril, 1 y 2 de mayo podremos disfrutar, en OaxacaCine Sala Juárez, de una selección representativa del festival en su octava edición.

FICUNAM es un festival interesado en el cine contemporáneo y de vanguardia, un cine consciente de su forma, del lenguaje cinematográfico y del cine como expresión artística.

Reúne películas que vienen de grandes festivales alrededor del mundo y que normalmente no se pueden ver en México en el circuito comercial. La selección que llegará a Oaxaca incluye cuatro títulos que forman parte de la Competencia Internacional y dos de la sección Ahora México. Los cineastas Eva Villaseñor (Ciudad de México) y Bruno Varela (Oaxaca), presentarán sus películas y conversarán con el público asistentes.

El programa en el Teatro Juárez se inaugurará el 24 de abril a las 19 horas con la proyección de Milla (Francia, 2017). Segundo largometraje de la cineasta francesa Valérie Massadian, que trata el tema de la feminidad, con personajes fuertes, misteriosos, silenciosos. Milla tiene diecisiete años y Leo unos pocos más. Juntos huyen a una pequeña localidad costera del norte de Francia. Encuentran una casa vacía y la habitan para convertirla en su hogar, como dos amantes solitarios. Milla fue la película ganadora del Premio Puma a Mejor Director en el FICUNAM 2018, también obtuvo el Premio Especial del Jurado Cineastas del Presente Festival Internacional de Cine de Locarno 2017, entre otros reconocimientos.

El 25 de abril se proyectará Mano de metate (México, 2018) dirigida por el artista visual Bruno Varela, realizada en colaboración con su hija Eugenia. “Mano de metate” es un ensayo multiformato que reafirma la fascinación de Bruno Varela por el territorio de la memoria. El argumento, si fuese necesario definirlo, sería el siguiente: Una niña es marcada por una imagen, una imagen que la persigue y atormenta; ese recuerdo es también un augurio, pasado y futuro, pero también sueño.” Yunuen Cuenca. Mano de metate tuvo su estreno mundial en elFICUNAM 2018, donde también obtuvo la Mención Especial LCI Seguros, Función con la presencia de Eugenia y Bruno Varela.

El 26 de abril se exhibirá París es una fiesta – Una película en 18 olas de Sylvain George, Francia, 2017. Una película que describe París y sus paisajes urbanos atravesados por un “joven menor extranjero aislado”, los atentados, el estado de emergencia, el azul-blancorojo, el océano Atlántico y sus travesías, la rebelión, la ira, la violencia de Estado, un canto revolucionario, el silencio y la alegría… nada más que alegría. “En el poderoso cine de Sylvain George no hay lugar para las lágrimas, sí para el esclarecimiento y también, misteriosamente, para la hermosura. ¿Puede haber una expresión delicada y estética en el seno de la desesperación?.” Roger Koza.

La programación continúa el 30 de abril con Deriva (Alemania, 2017). Ópera prima de la alemana Helena Wittmann. “Nunca se sabe del todo lo que empuja a alguien o a algo a un repentino cambio de orientación. La propia película experimenta a los 40 minutos una deriva y se fuga de su tenue hilo narrativo hacia ese espacio de la experiencia del mundo que es uno de los orígenes privilegiados de la narración: el océano. Hasta ahí, dos amigas, quizás amantes, después de compartir un tiempo libre frente a un paraje turístico en invierno, se espedirán. Una seguirá en Hamburgo y viajará al Caribe, acaso por trabajo, la otra volverá a Argentina. Eso es todo, pero Deriva es más que eso.” Roger Koza. Deriva tuvo u estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y su Premier en México en el FICUNAM 2018.

El 1 de mayo se proyectará El sabor del cemento del cineasta sirio Ziad Kalthoum, (Alemania – Líbano – Siria – Emiratos Árabes Unidos – Catar, 2017). En Beirut, trabajadores sirios construyen rascacielos, mientras que sus propios hogares en su tierra natal están siendo bombardeados. Estos trabajadores, que sufren la privación de los derechos humanos y laborales más básicos, están confinados por decreto del gobierno libanés.

“Un vuelo de pájaro a través de las excavaciones gigantescas que abastecen las obras en construcción de la ciudad de Beirut; una cava colosal para levantar las ruinas de una guerra de quince años. Reconstrucción después de la destrucción son los polos de un proceso continuo que interesa y atraviesa la región del Medio Oriente en la historia contemporánea.”Eva Sangorgi. El sabor del cemento obtuvo el Premio Puma a Mejor Película en elFICUNAM 2018 y fue la cinta ganadora del Festival Vision du Reel, entre otros reconocimientos.

La programación concluye el 2 de mayo con M de la talentosa directora Eva  illaseñor, México, 2018. Es el retrato de un personaje de su familia y también revela una escena musical y social de México. Miguel traza su camino intentando sobrevivir, su realidad cadavez se vuelve más laberíntica; le es complicado enfrentarse a sí mismo, su  comportamientoes complejo. Una sociedad represora y una invasión de ideas confusas hacen de este documental una pieza sobre la complejidad humana en un país, dominado po la violencia. Función con la presencia de su directora.

OaxacaCine, invita al público a disfrutar y ser partícipe del Festival internacional de Cine de la UNAM en su octava edición.

 

Los boletos

 

Boletos para las funciones en el Teatro Juárez: $30 general / $20 con descuento (estudiantes, maestros e INAPAM, presentando credencial vigente). A la venta en taquilla del teatro de 16 a 19 horas, los días de función.

 

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Martha Chapa recibe premio internacional por libro sobre el cacao

 

 

Ciudad de México.- El ejemplar “Cacao. La bebida de los dioses”, de la artista plástica e investigadora gastronómica Martha Chapa, fue considerado el Mejor Libro del Año en la categoría de Bebidas no Alcohólicas, en el Premio Iinternacional Gourmand World Cookbook Awards.

La autora describe la historia y la evolución de este alimento, así como la manera en que el chocolate cautivó los paladares de emperadores y la clase militar del mundo prehispánico, y posteriormente el de los soberanos y frailes europeos.

Situada en lo que hoy se conoce como Tabasco, desde la época prehispánica y hasta los tiempos actuales, se ubican el origen y la domesticación del cacao, al igual que las especies de alta calidad y en consecuencia la producción ya refinada del chocolate.

Además, expone cómo los habitantes de Mesoamérica descubrieron sus extraordinarias cualidades energéticas y aprendieron a elaborar una bebida que ocupó un lugar preponderante como elemento ceremonial, se detalló en un comunicado.

El actual gobierno de Tabasco fue el editor del libro, toda vez que busca impulsar la producción de cacao de la mejor calidad y mantener su vigencia, ya que, en tableta o polvo, el chocolate ha cautivado a todo el mundo e impulsado la actividad económica vinculada a su fabricación.

El libro, que se da en los festejos en honor a Martha Chapa con motivo de los 50 años como artista plástica, conlleva como propósito medular conocer y reconocer una de las grandes aportaciones de México a la humanidad, describe su autora.

De igual forma, busca llamar a una seria reflexión de aquello que es necesario y digno de alentar y preservar, ya que la gastronomía es un factor esencial de la identidad cultural.

 

Presentan en el MACO, The long Count del artista Retna

 

 

Jenny SÁNCHEZ

The Long Count es el título de la exposición del artista Retna que se inauguró el fin de semana en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO).

La historia graffitera de Retna comenzó a mediados de los noventa como lo detalla una página de internet. Hasta hace un par de años su nombre ha causado eco de formas inimaginables, no sólo los coleccionistas y galerías comienzan a apostar por este artista urbano californiano, sino también prestigiosas marcas como Louis Vuitton.

Marquis Lewis, el nombre verdadero de RETNA; comenzó a trazar su percepción urbana a través de murales y tags en las calles, trenes, autos y puentes en Los Ángeles. Plasmar su obra en distintos barrios, le provocó coincidir con pandillas, ser testigo del latente uso o distribución de drogas y visualizar la eterna melancolía que reflejan aquellos que viven en ella; para algunos es un peligro, para RETNA fue la influencia que definió su estilo.

¿Qué significa RETNA?

El artista tomó su nombre basado de una canción de Wu-Tang Clan, posteriormente fue modificando la letra hasta crear nuevos símbolos, que surgieron de las viejas tipografías de periódico combinándolas con jeroglíficos.

En 2012 presentó su primera exposición individual, misma que dejó asombrando a todos los asistentes incluyendo a Usher y al director del MOCA, Jeffrey Deitch. Intervino una boutique de Louis Vuitton en Miami, consagrándose así, como un gran representante de este arte emergente. RETNA se unió a la lista de artistas que ha trabajado con la casa francesa, la cual incluye a Stephen Sprouse, Takashi Murakami, Richard Prince y Yayoi Kusama.

“River’Arte”, un año educando y engrandeciendo el arte

*Al lado de los colectivos Suke A. C., Artistas por México y Artistas Mixtecos, festeja su primer aniversario con la exposición colectiva “Un año de color por la educación”

Claudia GONZÁLEZ

Oaxaca siempre ha sido un arcoíris de grandes maestros de la plástica, mismos que con sus manos mágicas y su ideario que no responde a límites, sino a una comunión entre artista y espectador, han logrado cimentar una escuela del arte oaxaqueño, la que, quiérase o no, ha marcado pauta y esos trazos, líneas y colores de las y los maestros oaxaqueños, causan asombro y expectación, interés del foráneo por arribar a la cuna del arte y del mezcal.

En la actualidad, dentro de estos maestros del arte ya figura la Maestra Laura Rivera Palacios, quien desde que abrazó los colores y los trazos, ha guardado un respeto y una constancia por el arte, el repaso mismo por las técnicas y un compromiso con su público, algo que, como lo practicaba el Maestro Rufino Tamayo, dan al artista nombre y reconocimiento.

Tiempo después de confrontarse con la inspiración y el caballete, con tesón, mucho esfuerzo y unas ganas enormes de mostrar que el arte inspira, ennoblece, educa y engrandece el espíritu, pudo inaugurar el taller-galería “River’Arte”, un palacio de arte, y a un año de distancia, la maestra Laura Rivera celebrará este primer aniversario con mucha emoción y siguiendo a demostrar que el arte cambia mentes y propone una mejor estructura social y espiritual al ser humano.

Es por eso para que para este próximo 20 de abril “River’Arte” estará celebrando su primer aniversario, teniendo como sede del aniversario la Escuela Normal Experimental de Huajuapan de León, en la región Mixteca de Oaxaca.

Ese día, a partir de las 7 de la noche inicia la conmemoración, presentándose el grupo de danza folclórica “Amistad”, integrado por jubilados y pensionados, llegados desde la capital del estado.

Una hora después, a las 8 de la noche, inaugurarán la exposición pictórica colectiva “Un año de color por la educación”, participando en esta muestra los grupos Suke A. C., Tejiendo el patrimonio cultural de México; el grupo Artistas por México; y el grupo Artistas Mixtecos.

Para el 21 de abril el festejo continúa, por lo que a las 12 del día se presenta la conferencia “Terapia de color”, a cargo de la Maestra Ángela Rocío Hernández Gómez, dirigida a las niñas y los niños de Huajuapan de León, teniendo como sede el Auditorio de la Casa de la Cultura “Maestro Antonio Martínez Corro”.

Tiempo después, a las 6 y media de la tarde, harán la inauguración de la exposición pictórica “Suke en Huajuapan”, de la artista plástico Ángela Rocío Hernández Gómez, teniendo como fondo la amenización del saxofonista Miguel Rivera Ortiz, teniendo como sede el epicentro del arte en Huajuapan, de la Mixteca, el taller-galería “River’Arte”, ubicado en la calle Micaela Galindo número 21, en el Centro de Huajuapan de León, Oaxaca.

Sobre los grupos de artistas

El grupo de artistas que conforman el proyecto cultural maestros de la plástica, así como la agrupación de Artistas por México y la Asociación Suké A.C., se unen con la finalidad de apoyar a la sociedad en sus momentos más difíciles, como por ejemplo los terremotos ocurridos en la entidad oaxaqueña durante el mes de septiembre del año pasado.

El unirse surge desde la inquietud de los artistas por aportar con sus obras a mejorar las condiciones de los afectados, niños, jóvenes y adultos que requerían más que nuca una mano de apoyo.

Con ello inician proyectos expositivos, de venta y de apoyo a la sociedad, mediante la recolección de víveres, entrega de materiales de uso doméstico, medicinas, cobijas y, de igual manera, talleres que se llevaron directamente a las zonas afectadas como Juchitán, en donde los artistas participaban con gran empeño.

Posteriormente, los artistas continuaron realizando actividades de difusión del arte en la sociedad, otorgando reconocimiento a quienes lo merecen y trabajan arduamente por ello.

Esta agrupación la dirigen las maestras: Naty Medina, Ángela Rocío, Ruth Ramos, Maired López y Jorge V. Rivera, quienes unen sus esfuerzos para sacar adelante a todos los artistas que conforman estas agrupaciones que trabajan en conjunto.

Dentro de las exposiciones que ha conformado como colectivo, permiten que confluyan en estos espacios artistas de diferentes partes del país, creando un diálogo con su obra, relacionando cada pieza con un poema a elección de cada uno de ellos.

Sobre la Maestra Ángela Rocío Hernández Gómez

Nacida en el municipio de Guadalupe, del estado de Nuevo León, el 6 de octubre de 1987, estudia en diferentes casas de cultura del país, como la de Baja California, en Guaymas, Sonora y la del estado de Oaxaca.

Ha estudiado diversos cursos y actualizaciones referentes a técnicas artísticas y de conceptualización del arte.

Egresó de la carrera de Artes Plásticas de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma “Benito Juárez” de Oaxaca en 2009. Es miembro fundador de la asociación Suké Consultores A. C. desde 2008.

Durante su carrera artística ha realizado diversas exposiciones en espacios públicos y galerías privadas en el estado de Oaxaca, como fuera de él; destacan las exposiciones en el año 2016 donde se abordó el tema de la Catrina y la cultura mexicana en Guanzoh, China; así como la exposición colectiva “Leyendas mexicanas” en la ciudad de Tabasco en el mismo año.

De igual modo, tuvo una exposición individual en el Museo del Palacio de la ciudad de Oaxaca; una exposición individual “El Suké” en el Centro comercial El paseo en Tehuacán, Puebla.

Ha participado en exposiciones colectivas, tanto en Oaxaca, como en el extranjero, como lo fue en la Embajada de México en Texas, Estados Unidos, entre muchas exposiciones donde ha sido partícipe y también pieza central de muy diversas muestras artísticas.

Además, se ha desempeñado como docente en el área de las artes plásticas, enfocada a niños de un amplio rango de edad; ha participado en proyectos culturales y artísticos, como el que gestionó en la Secretaría de las Culturas y las Artes de Oaxaca (SECULTA), sobre libros artesanales con materiales reciclados; resaltan otros dos proyectos más sobre Arte Urbano en la Comisión Estatal de la Juventud (CEJUVE) y el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) respectivamente, enfocado este último al apoyo de la creación y producción artística y cultural.

Recital de piano “La música de José Pomar” de Rodrigo Acevedo Traba

Jenny SÁNCHEZ

 

Será mañana domingo 15 de abril a las 12 del día cuando el Centro de Cultural Santo Domingo abra sus puertas para el recital de piano “La música de José Pomar” del pianista Rodrigo Acevedo Traba.

El programa está integrado por Concierto I. Los inicios, El Juglar (1898), Dos danzas para piano (1901), La Quimera (1899-1902) y Serenata (1902).

Habrá un Intermedio y posteriormente continuar con el concierto con: Cuatro hojas de álbum en Tiempo de Vals (1902-1904), Dos fugas para piano (1907) y Cuatro mazurkas (1903-1908).

Acerca del pianista

Rodrigo Acevedo Traba es un joven y exitoso pianista mexicano, estudia piano y composición en la Facultad de Música de la UNAM con los profesores Carlos Montes de Oca y Leonardo Coral.

En 2014 ganó una beca de la Fondation Turquois para realizar estudios en la Academia de Música Rainier III en Mónaco con los destacados maestros Laurent Alonso y Mark Solé-Leris, donde además de obtener los más altos diplomas, debutó como solista con la Orchestre Philarmonique de Monte-Carlo. También ganó una beca en 2017 para participar en la Academia de Verano Across Bridges Piano en Valencia, España donde tomó clases con la Dra. Jennifer Judd y el Dr. Michael Tsalka.

Ha tomado clases con destacados pianistas y maestros de talla internacional como Yulianna Avdeeva o Jorge Federico Osorio y ha participado y realizado recitales de piano y música de cámara en diversas escuelas, festivales, teatros, casas de cultura y recintos de México y Europa.

Ha sido premiado en distintas ediciones del Concurso Interno de Piano de la Facultad de Música de la UNAM, ganando el primer lugar en tres ocasiones (2005, 2014 y 2017). En 2016 obtuvo el primer lugar y dos menciones honoríficas en la IX Bienal Internacional de Piano en Mexicali, Baja California en la Categoría III. Finalmente, en 2017 se hizo acreedor al premio por la Mejor interpretación de la obra obligatoria Flotando en el 2do Concurso Nacional de Piano de la Universidad de Guadalajara.

Rodrigo tiene como premisa la difusión y comprensión de la Música Clásica y para lograr esto, explica de forma clara y accesible todas y cada una de las obras que interpreta, haciendo un especial énfasis en el repertorio poco abordado. Con el valioso apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, su proyecto La música de José Pomar, ciclo de recitales de piano, tiene como objetivo difundir la obra de este compositor mexicano injustamente olvidado, autor de una música de remarcable factura, innegable belleza e interesante lenguaje.

 

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Oaxaca Cine presenta su cartelera de abril

Jenny SÁNCHEZ

Por séptimo año consecutivo OaxacaCine presentará una selección del Festival Internacional de Cine de la UNAM en Oaxaca. Los días 24, 25, 26, 30 de abril, 1 y 2 de mayo podremos disfrutar, en OaxacaCine Sala Juárez, de una selección representativa del festival en su octava edición.

FICUNAM es un festival interesado en el cine contemporáneo y de vanguardia, un cine consciente de su forma, del lenguaje cinematográfico y del cine como expresión artística. Reúne películas que vienen de grandes festivales alrededor del mundo y que ormalmente no se pueden ver en México en el circuito comercial.

La selección que llegará a Oaxaca incluye cuatro títulos que forman parte de la Competencia Internacional y dos de la sección Ahora México. Los cineastas Eva Villaseñor (Ciudad de México) y Bruno Varela (Oaxaca), presentarán sus películas y conversarán con el público asistente.

El programa en el Teatro Juárez se inaugurará el 24 de abril a las 19 horas con la proyección de Milla (Francia, 2017). Segundo largometraje de la cineasta francesa Valérie Massadian, que trata el tema de la feminidad, con personajes fuertes, misteriosos, silenciosos. Milla tiene diecisiete años y Leo unos pocos más. Juntos huyen a una pequeña localidad costera del norte de Francia. Encuentran una casa vacía y la habitan para convertirla en su hogar, como dos amantes solitarios. Milla fue la película ganadora del Premio Puma a Mejor Director en el FICUNAM 2018, también obtuvo el Premio Especial del Jurado Cineastas del Presente Festival Internacional de Cine de Locarno 2017, entre otros reconocimientos.

El 25 de abril se proyectará Mano de metate (México, 2018) dirigida por el artista visual Bruno Varela, realizada en colaboración con su hija Eugenia. “Mano de metate es un ensayo multiformato que reafirma la fascinación de Bruno Varela por el territorio de la memoria. El argumento, si fuese necesario definirlo, sería el siguiente: Una niña es marcada por una imagen, una imagen que la persigue y atormenta; ese recuerdo es también un augurio, pasado y futuro, pero también sueño.” Yunuen Cuenca. Mano de metate tuvo su estreno mundial en el FICUNAM 2018, donde también obtuvo la Mención Especial LCI Seguros. Función con la presencia de Eugenia y Bruno Varela.

El 26 de abril se exhibirá París es una fiesta – Una película en 18 olas de Sylvain George, Francia, 2017. Una película que describe París y sus paisajes urbanos atravesados por un “joven menor extranjero aislado”, los atentados, el estado de emergencia, el azul-blancorojo, el océano Atlántico y sus travesías, la rebelión, la ira, la violencia de Estado, un canto revolucionario, el silencio y la alegría… nada más que alegría. “En el poderoso cine de Sylvain George no hay lugar para las lágrimas, sí para el esclarecimiento y tabién, misteriosamente, para la hermosura. ¿Puede haber una expresión delicada y estética en el seno de la desesperación?.” Roger Koza.

La programación continúa el 30 de abril con Deriva (Alemania, 2017). Ópera prima de la alemana Helena Wittmann. “Nunca se sabe del todo lo que empuja a alguien o a algo a un repentino cambio de orientación. La propia película experimenta a los 40 minutos una deriva y se fuga de su tenue hilo narrativohacia ese espacio de la experiencia del mundo que es uno de los orígenes privilegiados de la narración: el océano. Hasta ahí, dos amigas, quizás amantes, después de compartir un tiempo libre frente a un paraje turístico en invierno, se despedirán. Una seguirá en Hamburgo y viajará al Caribe, acaso por trabajo, la otra volverá a Argentina. Eso es todo, pero Deriva es más que eso.” Roger Koza. Deriva tuvo su estreno mundial en el Festival de Cine de Venecia y su Premier en México en el FICUNAM 2018.

El 1 de mayo se proyectará El sabor del cemento del cineasta sirio Ziad Kalthoum, (Alemania – Líbano – Siria – Emiratos Árabes Unidos – Catar, 2017). En Beirut, trabajadores sirios construyen rascacielos, mientras que sus propios hogares en su tierra natal están siendo bombardeados. Estos trabajadores, que sufren la privación de los derechos humanos y laborales más básicos, están confinados por decreto del gobierno libanés.

“Un vuelo de pájaro a través de las excavaciones gigantescas que abastecen las obras en construcción de la ciudad de Beirut; una cava colosal para levantar lasruinas de una guerra de quince años. Reconstrucción después de ladestrucción son los polos de un proceso continuo que interesa y atraviesa la región del Medio Oriente en la historia contemporánea.”

Eva Sangorgi. El sabor del cemento obtuvo el Premio Puma a Mejor Película en el FICUNAM 2018 y fue la cinta ganadora del Festival Vision du Reel, entre otros reconocimientos.

La programación concluye el 2 de mayo con M de la talentosa directora Eva Villaseñor, México, 2018. Es el retrato de un personaje de su familia y también revela una escena musical y social de México. Miguel traza su camino intentando sobrevivir, su realidad cada vez se vuelve más laberíntica; le es complicado enfrentarse a sí mismo, su comportamiento es complejo. Una sociedad represora y una invasión de ideas confusas hacen de este documental una pieza sobre la complejidad humana en un país, dominado por la violencia. Función con la presencia de su directora.

De esta forma, OaxacaCine, invita al público a disfrutar y ser partícipe del Festival Internacional de Cine de la UNAM en su octava edición.

 

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“Afelpados” Tapicería contemporánea de Oaxaca, en Viena, Austria

Juan JORGE BAUTISTA

Otra vez la mano del reconocido artista mexicano Francisco Toledo vuelve a repercutir internacionalmente, su actividad ininterrumpida para el impulso de la experimentación artística ha sido una constante en su vida, así como lo han sido también su preocupación por el patrimonio artístico y cultural, y su activismo social y político por la defensa de los derechos de los más débiles.

Sin demeritar a nadie Toledo es el artista mexicano vivo más importante a nivel internacional

A iniciativa del citado artista en el año 2000 se creó en el pueblo de Vista Hermosa Oaxaca México, el Centro de las Artes San Agustín (CASA), desde entonces Toledo no ha dejado de promover nuevos emprendimientos aledaños al CASA como lo son La Casa de las Matemáticas, la fábrica de papel para arte con fibras naturales, los talleres de gráfica ecológica, los ciclos de cine, danza, literatura, las estancias artísticas y un largo etcétera.

Producto de este extendido esfuerzo, hoy ha llegado al Instituto Cultural de México en Viena, Austria, la muestra denominada “Afelpados”, la cual conjuga doce obras creadas en técnicas textiles varias por un distinguido grupo de artistas mexicanos y de artistas extranjeros que producen en Oaxaca.

Según lo anuncia el catálogo de la muestra, estas obras son producto del taller de afelpados fundado en el año 2012 en el CASA, el cuál fue creado, con la intención de experimentar con materiales orgánicos, diversas técnicas artísticas que transformen, modifiquen, alteren o intervengan el material textil a partir de una visión creativa contemporánea, el resultado de estas experimentaciones es sumamente interesante, y viene a oxigenar las posibilidades artísticas, motivando la experimentación creativa en los intelectuales de la imagen que trabajan desde Oaxaca. Veamos brevemente que nos muestra “Afelpados”:

Jan Hendrix (Maasbre, NL, 1949) “Sin título”, técnica: fieltro industrial cortado con agua y arena, costurado a mano. La intitulada obra, es una portentosa pieza construida sobre una gruesa base de fieltro oscuro sobre el cuál se han costurado tiras de fieltro rojo que representan un abanico abierto produciendo un movimiento de expansión hacía afuera de la obra, el efecto visual logrado hace extender la mirada más allá de los márgenes del afelpado. El atrevimiento al que nos tiene acostumbrados este artista se manifiesta claramente en esta obra que peca de concretismo conceptual, pero es precisamente ahí, donde está su riqueza.

Por su parte Miguel Castro Leñero (México, 1956) “Paisaje interior”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural. Presenta en su pieza un encuentro mezclado de tonalidades terrosas sobre el cual se sobreponen un par de cuerpos geometrizantes y desestructurados, dichos entes se comunican recíprocamente provocando una especie de inercia magnética y reconstructiva, dicha obra se queda en medio de la figuración y la abstracción, momento privado de especulación pero a la vez lleno de la ausencia de certezas, así el artista reta al observador a tomar una decisión que indefectiblemente no podrá ser definitiva, sino un reto permanente a la interpretación.

Francisco Castro Leñero (México, 1954) “De la serie: cúmulos rojos sobre blanco”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural. En ésta obra se presentan sobre un espacio blanco una serie de semicírculos cumulares que se conectan entre sí y que dan la sensación de una estructuración geométrica ordenada y continúa, más saltan de pronto a la vista una serie de cuadrados oscuros que rompen con la continuidad geométrica inicial, convocando entonces un reto visual entre lo estructurado y la ruptura, los cinco cuadros negros también construyen una referencia geometrizante entre sí, de  modo tal que la propuesta visual se construye entre una especie de lucha entre la líneas con ángulos rector y líneas circulares extensivas, haciendo ver que la  realidad se construye de entre estos elementos que, primariamente provocan un contraste pero a la vez una armonía recíprocamente complementaria.

Patricia Álvarez (México, 1956) “Jardín de Ucello”, técnica: afelpado en húmedo y de agujas, con fibras de lana natural sobre fieltro. Esta obra muestra un plano sectorialmente dividido por medio de ángulos rectos que señalan espacios diferentes y concretos sobre una misma superficie, varios de estos espacios muestran tonalidades diversas y en su interior se imprimen formas geométricas varias generalmente cuadradas, al lado de otras con extensiones más allá del cuadrado básico pero siempre con ángulos rectos, relacionando la propuesta visual con el título de la obra, se puede sentir la experiencia de la visión terráquea desde el aire, es decir, una superficie de tierra vista desde las alturas, la que naturalmente muestra las intervenciones humanas sobre la superficie, es decir la alteración de la naturaleza con el actuar humano.

Guillermo Olguín (México, 1969) “Semillas olvidadas”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. La obra presenta una palmera erguida en el centro de la superficie, de la cual penden una especie de hilos raíces con semillas colgantes, olvidadas pero dispuestas a caer a la tierra y producir nueva vida vegetal, desde el fondo se percibe una difuminada luz solar que obsequia un sentimiento de nostalgia y soledad a la pieza, cómo sí desde la lejanía viniera hacía la palmera el anunciamiento de otro florecimiento.

Demián Flores (México, 1971) “Mezcal”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. Éste constructor de imágenes oriundo de Juchitán Oaxaca, nos presenta una reinterpretación de la diosa del mezcal, bebida embriagantemente afrodisíaca de origen Oaxaqueño, la Diosa Mayagüez  emergida de los códices prehispánicos Borbónico y/o Borgía (según duros datos antropológicos), es retomada, reinterpretada e impresa en la superficie amarillenta blanquecina del fondo, de las caderas de la Diosa surgen las raíces que se cimentan en el inframundo de la tierra y que dan vida al maguey, cactácea de la cual se destila el mezcal, de la cabeza de Mayagüez nacen las pencas que dan cuerpo al maguey y emerge entre las mismas la flor del agave, lográndose visualmente la comunicación entre el inframundo y la inmensidad del cosmos. Esta pieza representa una reinterpretación contemporánea del mundo prehispánico.

James H. D Brown (USA, 1950) “The carpet from my other house”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. Esta pieza representa un espacio abierto invadido por una serie de cuadriculas geometrizantes de diversas tonalidades, como ruptura de ese orden flota una densa burbuja oval y oscura, misma que se pasea macilenta de entre ese orden estructurado, dando la sensación de ser un reto a la gravedad y que a la vez rompe el aparente orden estático, el ovoide se pasea sin preocupación alguna, dando la sensación de que flotar es la opción para superar la realidad concretamente determinada.

Sabino Guisu (México, 1985) “Murciélago”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural. Esta pieza es un portento de orden experimental, pues no sólo conjuga las posibilidades acolchadas y colóricas del soporte, sino que más allá del imponente figurativismo realista del murciélago, éste se planta centralmente con las alas extendidas y dichas alas están construidas con injertos directos de plumas negras reales de pavo y guajolote lo cual obsequia a la pieza la calidad de collage construido con elementos naturales y texturas eminentemente orgánicos y poco vistos en la producción del arte oaxaqueño, además de que el rostro del roedor alado es tridimensional y trabajado en la misma técnica de lana natural, es curioso que siendo éste creador el más joven de los expositores, sea el que más se arriesga técnicamente y logra con ventura una pieza única y de alta calidad estética.

Irma Palacios (México, 1943) “Oriente-occidente”,  técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. Esta fina pieza es identificable inmediatamente con la extensa obra de su creadora, y logra aquí como con sus óleos la difuminación de las tonalidades terráqueas y candentes, cosa nada fácil en éste especial materismo, tres ovoides flotan paralelamente sobre el fondo vibrante, son casi idénticos, aunque el superior casi termina difuminándose con el fondo encendido, la obra refleja una discusión indisoluble entre concepciones encontradas, la permanente dialéctica del entendimiento que al final del camino no logra construir un acuerdo y que ahí está eternamente, flotando y existiendo para dar fundamento y razón a las ideas más dispares, el arte es enfrentamiento, es tensar la vida, y eso se experimenta ante esta obra.

Francisco Toledo (México, 1940) “Alacrán I”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. La obra del gran creador juchiteco es una filigrana de finísima estructura, una superficie cuadriculada con tonalidades grises a negras, en cuyo recuadro cuasi central oscuro tendido en plena zona áurea, se distingue uno de los míticos elementos que conforman la zoología fantástica de Toledo, el alacrán, ese arácnido que ha sido siempre una constante en su iconografía, el cual en colores casi de oro se planta ente lo que parece ser su propio huevo, quizás se trata de la madre escorpión que protege celosamente a su futuro hijo, y casi pareciera que está dispuesta a brincar del soporte para atacar con su ponzoñosa cola y letal veneno a aquel que se atreva a acercarse lo suficiente, esta obra está viva y casi vibra con el realismo logrado en tan elevada factura.

Trine Ellitsgaard (DK, 1954) “Tlacolula”, técnica: afelpado en húmedo con fibras de lana natural y costuras a presión con hilo de pita. Esta obra da muestra de una larga experiencia de su autora con textiles y técnicas experimentales, fondo blanco de lana costurada con hilo también blanco pero que dada la presión de las costuras transforma el material propiamente en texturas que emergen de la misma presión y liberación de la lana, la costura es una construye por sí misma una narración jeroglífica concreta y da muestra de una construcción concreta y conceptual.

Paloma Torres (México, 1960) “Aislantes”, técnica: afelpado de agujas con fibras de lana natural sobre fieltro. Esta obra también presenta un alto grado de experimentación, pues si bien parte de una superficie bidimensional se han superpuesto sobre esta fragmentos de fieltro que la tridimensionalizan matéricamente, más esta experimentación no queda ahí, ni tampoco se constriñe al realismo con que se pueden identificar los aislantes ahí representados, sino que además cada uno de estos elementos tiene se propia tridimensionalidad, dichos relieves resaltan doblemente ante la habilidad para poner luces en los elementos representados, lo que dota a la obra de un realismo inusitado.

Finalmente resulta interesante hacer un par de apuntes finales.

El conjunto de obras que conforman la muestra poseen además de portentosos atributos estéticos, la virtud de nacer de procesos ambientalmente responsables, pues si algo ha preocupado al maestro Toledo es que, en las acciones artísticas que promueve se sea respetuoso del medio ambiente y se busque en lo posible evitar contaminar y optar por procesos naturales y ecológicos.

En la actualidad Oaxaca se ha distinguido por ser -ya por varias décadas- el principal semillero mexicano de los grandes artistas visuales, lo que la convierte en una especie de seductor imán para que artistas de otras latitudes vayan ahí a experimentar ese fenómeno, y a producir ahí su arte que a posteriori se identifique como oaxaqueño, y ésta exposición es parte de ello.

 

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