“Solteras”, una película sobre la presión social del matrimonio

Jenny SÁNCHEZ

“Solteras” es la película de estreno del director Luis Javier Henaine que habla sobre la presión social que viven las mujeres sobre el matrimonio en diversas partes del país.

Está película protagonizada por Cassandra Ciangherotti muestra cómo las relaciones pueden llegar a basarse en lo que dicte la familia, los amigos, la sociedad, etcétera, sobre casarte o tener hijos, así lo explica el director Luis Javier.

En entrevista para nuestro Diario Rotativo, menciona que la presión sobre las mujeres para casarse fue un tema que les impactó mucho y fue el punto de partida para realizar la película.

El director de también “Tiempos felices” menciona que junto a Alejandra Olvera, con quien escribió el guion, se pusieron a investigar todo sobre el tema y en la Ciudad de México descubrieron los cursos para buscar marido.

“Hay un gran mercado en el tema, es increíble la necesidad que se ha creado”, resaltó.

Luis Javier dijo estar contento con el resultado de la película, “además de que te vas a divertir, es una película que siento que trasciende, tiene una reflexión o varias. La respuesta ha sido muy buena”, añadió.

Henaine comentó que para nuevos proyectos le gustaría hacer algo sobre Terror, porque no queire que encasillarse en un solo género. “Quiero hacer un thriller sobrenatural, no es un guion mío, se llama Desaparecer por completo y con suerte aplicaremos a Eficine pronto para empezar el próximo año”, expresó.

Reparto

Cassandra Ciangherotti, Gabriela de la Garza, Mariana Cabrera, Flor Edwarda Gurrola, Irán Castillo, Sophie Alexander-Katz, Diana Bovio, Andrés Almeida, Juan Pablo Medina, Pablo Cruz, Leonardo Daniel, Mar Carrera, Francisco de la Reguera.

Sinopsis

Ana sueña con llegar casada al tercer piso, pero por más que intenta, no encuentra al hombre ideal. Decidida a cumplir con su objetivo, busca la ayuda de una casamentera, quien a través de sus cursos orienta a mujeres desesperadas por encontrar pareja. Junto al grupo de solteras, Ana experimentará una serie de desventuras que la harán replantear su vida.

Luis Javier Henanine

Cineasta mexicano, egresado de la licenciatura en Comunicación con especialidad en Cine con mención honorífica y mención laudatoria por su cortometraje de titulación Cruces desiertas (2006), de la Universidad Iberoamericana (UIA). Ha dirigido diversos cortometrajes y comerciales publicitarios. Participó en la Selección Oficial del 1er Festival Internacional de Cine Universitario KINOKI, en México, con su cortometraje El sonido del silencio (2004). Con su cortometraje Cruces desiertas (2006) participó en el 1er Los Angeles International Short Film Festival de Estados Unidos; en el 3er Festival Internacional de Cine Contemporáneo (FICCO), en la Ciudad de México; ganando el Mejor Cortometraje, Mejor Director, Mejor Edición y Mención Especial del Jurado a Fotografía del 3° KINOKI.

Participó en la exhibición de arte Ni una más, The Juárez Murders (2010) en la Leonard Pearlstein Gallery de Philadelphia y participó en el 12° Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM)  y en el 11° Dubai International Film con su ópera prima Tiempos felices (2014).

“Mail-art” y sus obras en exposición permanente en el MUFI

MUFI

El arte toma muchas formas, una de las más interesantes es el llamado “Arte-correo” un movimiento que toma el intercambio y comunicación postal, como medio de expresión artística, por esta razón en el Museo de Filatelia de Oaxaca, MUFI se tiene una exposición permanente dedicada al “mail-art” y sus obras.

Como resultado de una convocatoria de “Mail Art” que se realizó en 1999, el MUFI obtuvo 400 participaciones de 30 países (cartas, postales, estampillas de artista, fanzines, arte objeto, dibujos, pinturas, grabados), misma que se ha ido incrementando ya que seguimos recibiendo correspondencia de artistas.

Destacan las aportaciones de Rodolfo Morales, Francisco Toledo, Arnaldo Coen, Felipe Ehrenberg, Manuel Marín, Joaquín Von Mentz, Emy Winter, Clemente Padín, Gerardo Yépiz, Michael Hernández, Michael Thompson, Jas Felter.

Un espacio, en el MUFI, donde la filatelia inspira a los artistas, un concepto abierto con el que el MUFI busca incluir desde las manifestaciones del mail-art comprometido y activista hasta los experimentos contemporáneos: desde inicios del siglo XX, muchas personas dedicadas al arte han producido obra mediante alteraciones creativas de objetos y procesos postales, o han integrado temáticas y parafernalia postal en sus trabajos. Los comecartas te invitan a descubrir esta faceta inusual del arte y del Museo.

Arte Postal-Arte Correo-Arte Correspondencia-Mail Art-Networking

El arte postal se refiere a cualquier manifestación artística que se desplaza por algún medio de comunicación, principalmente el postal. Casi siempre aparece en forma de sobre, postal, timbre de artista, sello de goma, paquete o arte objeto, aunque en ocasiones se reciben los objetos más inverosímiles tales como un mensaje dentro de una botella, basura (literalmente basura), esqueletos de animales, archivos personales, radiografías y cajas conteniendo los objetos más diversos como conchas de mar, juguetes y golosinas, entre muchos otros. Todo puede suceder en el arte correo.

El ánimo por jugar con la correspondencia tiene más o menos la misma antigüedad que el correo moderno, aquel que utiliza estampillas como porte y que desde su invención en Inglaterra en 1840, ha logrado democratizar la posibilidad de enviar y recibir mensajes a larga distancia. Muchos artistas, sobre todo aquellos vinculados a las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, principalmente pintores y escritores futuristas, dadaístas y surrealistas, realizaban dibujos en sus cartas y explotaban el sistema postal para la transmisión e intercambio de dibujos, fotografías, libros y mensajes plasmados en sobres y paquetes intervenidos por ellos mismos, piezas espontáneas y únicas.

Jas Felter es un tesonero artista postal canadiense e investigador sobre el tema, quien sostiene que la primera estampilla de artista conocida es aquella realizada por el alemán Karl Schwesig en 1941 realizada en el campo de concentración de Gurs en Vichy, Francia. Schwesig encontró los bordes en blanco que se desechan de las planillas de estampillas, y al no tener otra superficie en donde dibujar, los utilizó representando a manera de timbre postal, la ironía de los prisioneros enmarcados por el lema nacional francés “Libertad, Igualdad y Fraternidad”.1

Lo anterior son ejemplos de las múltiples formas del arte postal; sin embargo éste tiene en la actualidad una serie de características que surgieron por primera vez en los años cincuenta en Nueva York.

El artista Ray Johnson, egresado de la famosa escuela de arte Black Mountain College, tuvo la ocurrencia de fundar la New York Correspondence Art School, un simulacro de escuela que burlonamente impartía cursos de arte por correspondencia. Johnson tuvo muchos seguidores que mantenían contacto por correo y enviaban todo tipo de diseños que se mofaban de cualquier cosa que oliera a oficial o institucional.

En la misma época en Francia, se encontraba muy activo el grupo de pintores Nuevo-Realistas, que adherían objetos “de la realidad” a sus obras; ellos utilizaron sus propias cartas en ellas, además de que usaron el correo para fines artísticos como sus antecesores futuristas y dadaístas. Fue entonces el nacimiento del arte postal propiamente, cuando el crítico francés Pierre Restany inventó el término mail-art.

De este tiempo data la legendaria acción del artista Yves Klein, quien en 1959 hizo cubrir de pintura azul las estampillas oficiales del correo con las que envió las invitaciones de su exposición individual en “La vide”, una galería inexistente en París. La sorpresa fue que las cartas llegaron por correo a manos sus invitados y posteriormente derivó en un gran escándalo, dada la actitud irreverente del artista hacia el servicio postal francés.

Y es que esa es precisamente la intención de un verdadero artista postal; expresar sin obstáculos sus ideas por correo, jugar con el humor, la ironía, lo prohibido y los caprichos del destino, en colaboración con el cartero que termina las piezas con su matasellos. Esta práctica se mantuvo por mucho tiempo oculta, como movimiento subterráneo y subversivo; incluso se crearon correos alternativos, que hacían llegar cartas de mano en mano.

La red del arte postal se hizo popular durante los años sesenta y setenta, cuando los artistas Pop y Fluxus, quienes proclamaban la democratización del arte y rechazaban su manipulación por los círculos comerciales, se apropiaron de este vigoroso medio de comunicación, y lo agotaron entre cientos de participantes de todo el mundo.

En América Latina, en los años sesenta y setenta, época de dictaduras y grandes presiones políticas, el arte postal adquirió un carácter de denuncia y llegó hasta sus últimas consecuencias. Un memorable ejemplo es el del mentado Clemente Padín, quien manifestó públicamente su inconformidad en sus cartas y esto lo llevó a ser encarcelado por el gobierno de su país. Gracias a la solidaridad de la comunidad artística entonces vigente, se organizó una campaña de presión por medio de cartas, que logró poner a Padín en libertad.

Cientos de artistas célebres y desconocidos de todo el mundo y de distintas épocas han participado, y actualmente se mantiene viva y se incrementa gracias al uso del fax y el correo electrónico y a la facilidad de reproducción de imágenes por medio de fotocopias y computadoras. Hoy, el arte postal vive su institucionalización de manera masiva. Existen una infinidad de libros, antologías, publicaciones periódicas, archivos especializados y museos y galerías interesados en organizar exposiciones, además de páginas electrónicas. (Por ejemplo, el Museé de la Poste en París, guarda un acervo importante de timbres de artistas y recientemente se ha fundado un museo especializado en arte postal en Tarragona, España).

Su éxito consiste en la libertad de acción ya que se escapa de reglas, censura y de las limitaciones que impone el mercado, ya que el arte postal en general no se pone a la venta. Simplemente se trata de corresponder a quienes nos envían mensajes. Cualquier persona interesada puede lanzar una convocatoria; además no hay jurados, selección, censura, ni devolución de piezas; no se evalúan los logros técnicos, el estilo, las técnicas, formatos o materiales y tampoco se limita el género artístico, que puede ser musical, plástico, literario, en fin.

Así, en esta amplia gama, encontramos mensajes desde “El día internacional del cigarro” o “Laika, el primer perro en el espacio”, hasta los más solemnes Sub-Comandante Marcos, Stop Bombing Yugoslavia, Remember Hiroshima o aquel que pide la libertad del preso Mumia Abu-Jamal.

Hay quien toma el arte postal de manera más personal: tal es el caso de Michael Hernández de Luna y Michael Thompson, dos “serios” artistas plásticos de Chicago, que además de exponer su trabajo de timbres y sobres en galerías y hacer de ello un medio de vida, intentan burlar los sistemas postales de diferentes países al enviar su correspondencia con sus propios timbres en lugar de los oficiales, logrando en ocasiones que las cartas lleguen a su destino con el matasellos del correo legítimo, lo cual los ha hecho objeto de denuncias que no han procedido, ya que sus propósitos son artísticos y no de lucro o falsificación.

Sería imposible listar a todos aquellos artistas que en distintas épocas han participado en lo postal; sin embargo se pueden mencionan a los más célebres como Erick Satié, Marcel Duchamp, Vicente Huidobro, Guillaume Apollinaire, Donald Evans -que destaca por la gran producción de las increíbles “emisiones postales” de mundos imaginados por él-, Joseph Beuys, Christo, Yoko Ono…

En México, el arte postal, junto con la producción de libros realizados en ediciones limitadas por artistas, se practicó intensamente durante los años setenta y ochenta, promovido y teorizado por su gurú, el fallecido Ulises Carrión. Una parte substancial de su obra se encaminó hacia acciones relacionadas con la comunicación y el arte correo. Varias generaciones de artistas como Mathias Goeritz, Marcos Kurtycs, José Luis Cuevas, Martha Hellion, Felipe Ehrenberg, Gabriel Macotela, Manuel Marín, Arnaldo Coen, César Espinoza y Mauricio Guerrero, entre muchos otros, fueron y han sido asiduos practicantes del mail-art, sin embargo actualmente está prácticamente extinto, ya que las nuevas camadas de artistas no lo conocen y por lo mismo hay poco interés en él.

La red de arte postal, por su naturaleza, cambia constantemente y se renueva con las nuevas tecnologías y definitivamente se verá profundamente transformada con el uso intensivo del correo electrónico. No obstante, cualquiera que sea su forma, lo esencial es cumplir con el deseo humano de la “eterna comunicación” (palabras del propio Clemente Padín), a la que aspiran los iniciados de esta comunidad.

Finalmente, es muy fácil convertirse en corresponsal; es como participar en una cadena de correspondencia: simplemente hay que dirigirse a algún directorio de arte postal publicado en internet, escoger algunas direcciones, empezar a diseñar y jugar con sobres, estampillas, sellos y casi cualquier ocurrencia, enviar las piezas y esperar un tiempo razonable para comenzar a recibir mensajes de todo el mundo e integrarse a la comunidad artecorreísta internacional.

La soprano María Reyna presenta Orgullosa soy raíz

UNAM Global

Ciudad de México.- María Reyna González López, soprano originaria de Santa María Tlahuitoltepec en Oaxaca, y Joaquín Garzón Rivera, director orquestal, compositor y pianista, presentarán su primera producción discográfica: Orgullosa soy raíz.

En entrevista con UNAM Global, González López dijo estar honrada de presentar su primer disco, pues es una manera de compartir con el público las raíces de nuestra música.

“Para mí es un honor presentar Ópera Mixe, un género que, junto con Joaquín Garzón, hace unos años estuvimos trabajando. Nació en un salón de clases, pero creo que es algo que me encanta porque es una fusión de música clásica, un poquito de jazz e impresionismo fusionado con las lenguas de nuestro México, las lenguas originarias”.

En el contexto del Año Internacional de las Lenguas Indígenas, María Reyna subrayó que es importante compartir, difundir, fortalecer y apoyar “lo que muchos mexicanos hacen para dar a conocer las lenguas y tradiciones mexicanas, desde la poesía y el canto, hasta cualquier otra manifestación cultural”.

Otras notas

En rueda de prensa con medios de comunicación, el director musical del proyecto, Joaquín Garzón, aclaró que “se denominó esta propuesta como Ópera Mixe no porque sea una ópera sino para rendirle un pequeño homenaje a este maravilloso género y busca dentro de nuestras raíces la esencia de la música de ese México ancestral”.

“Nosotros estamos investigando, difundiendo y redescubriendo música que no se conocía para compartirla, pero revistiéndola con ese espíritu de la música clásica con elementos del impresionismo y del jazz, pero la manera de interpretarse es con la técnica operística”.

María Reyna González López es originaria del pueblo de Tlahuitoltepec, Oaxaca, de donde emigró a los 12 años para perseguir su sueño de ser cantante y se mudó a Guadalajara, donde trabajó para pagar sus estudios y tomó clases de canto, y ahí conoció a Garzón, quien es su maestro. Ópera Mixe surgió en 2014, como un homenaje al género de la ópera, con lenguas originarias y el mestizaje, que busca demostrar que al juntar estas dos cualidades se puede hacer una maravilla en el mundo musical, ya que el fin del proyecto es que la gente conozca las raíces del México ancestral.

Ópera Mixe es una propuesta diferente pues se encarga de buscar y recuperar letras, textos y poemas dignos de ser musicalizados, sin perder su forma original. A lo largo de cuatro años se ha presentado en diferentes recintos de renombre como el Teatro Juárez, el Alcázar del Castillo de Chapultepec, la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, y ahora tocará el turno al Teatro de la Ciudad Esperanza Iris.

El equipo musical lo completa Jorge José Roberto Leos, en el clarinete y saxofón; Jorge Galindo y Marco Rayas en las percusiones; Eliud Hernández en el bajo electrónico; Jorge Martínez, en la guitarra; Christofer Ibarra, en el violoncello y Joaquín Garzón, en el piano. Garzón comentó que en el disco hay dos poemas a los que él les puso la música y le fueron proporcionados por las poetisas Irma Pineda y Nadia López, así como también otro del maestro Juan Gregorio Regino, denominado “Llámame”.

Por su parte, María Reyna dijo que si bien canta en lenguas indígenas, lo que hace es que las traduce al español para que la gente pueda entenderlas, pero “la música es universal, algo que se siente y que se transmite a través de la interpretación”, subrayó.

Finalmente, comentó que este es el primer disco que hace desde los 12 años que salió de su pueblo natal y tiene previsto llevar su música al extranjero este año o el próximo.

Lo relevante

*La presentación del disco Orgullosa soy raíz será el próximo 16 de junio en el Teatro Esperanza Iris del Centro Histórico de la Ciudad de México, a las 18 horas.

Llega a Oaxaca el Coloquio Internacional Políticas Públicas: Autonomía, Desnormalizar, Descolonizar

El Coloquio Internacional Políticas públicas. Autonomía, desnormalizar, descolonizar surge en el marco de la Cátedra Extraordinaria de Museología Crítica William Bullock, un programa de intercambio entre profesionales de museos que inició en 2014. Sus organizadores este año son el British Council México, el USC Fisher Museum of Art, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) de la Secretaría de Cultura y el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM. Esta es la cuarta edición de la Cátedra Bullock, anteriormente le precedieron Museología crítica (2015), Museología, memoria y políticas de representación (2016) y El museo-foro: espacios museales para un mundo intolerante (2018).

Este coloquio se realizará el 14 y 15 de junio en Oaxaca, en tres sedes: el viernes 14 de junio en el patio central del Centro Cultural San Pablo y en el patio del Museo de Filatelia, ambos en el Centro Histórico, y el sábado 15 de junio en el Centro de las Artes San Agustín, en Etla. Este encuentro reunirá a profesionales de museos, curadores, artistas y museólogos de Canadá, Chile, Colombia, Estados Unidos, México y Reino Unido para reflexionar en torno a casos y vías posibles para replantear el diseño de políticas públicas desde los museos como una labor crítica y reflexiva que anticipa y programa figuraciones para repensar nuestro presente y reimaginar nuestro futuro.

En esta edición el coloquio plantea el tema urgente de la creación de políticas públicas para y desde los museos desde tres conceptos rectores: la autonomía, las teorías y prácticas de descolonización museal, y también la desnormalización de atavismos museológicos, situada sobre todo en cuestiones de accesibilidad, género y formas de trabajo. Asimismo, se enfatizará el estudio de casos específicos, así como la creación de redes de intercambio de conocimiento.

Los formatos este año serán conferencias magistrales, presentaciones de proyectos, paneles de discusión, presentación y premiación de los dos proyectos galardonados por los Premios William Bullock 2019, la presentación de la antología Museología crítica: temas selectos. Reflexiones desde la Cátedra William Bullock, así como la clínica para profesionales del campo museal y artístico La residencia como intercambio crítico.

También se destacará la construcción colectiva de conocimientos, agendas y la imaginación de políticas públicas a partir de la exploración de formas de discutir, hablar y confrontar la compleja realidad local, regional y global desde discusiones intergeneracionales y con énfasis transdisciplinar.

El museo como delineador de políticas públicas

La conversación inaugural es ¿Políticas públicas? Museología crítica, una discusión entre los organizadores del encuentro: Mariana Munguía, Coordinadora Nacional de Artes Visuales del INBAL; María García Holley, Directora de Artes, British Council México; Selma Holo, Directora Ejecutiva de USC Fisher Museum of Art; y Graciela de la Torre, Directora General de Artes Visuales y del MUAC, UNAM. También se reproducirá un mensaje del actual titular de la Cátedra en esta edición, el curador e historiador Charles Esche (Reino Unido) en torno a los procesos de autonomía en museos globales.

Se presentará la conferencia magistral “Entre la realidad y nuestras expectativas. Políticas y prácticas en los museos de Canadá”, de la museóloga y profesional de museos canadiense Vanda Vitali. Su conferencia, que se centra en el caso específico de las políticas públicas de museos en Canadá, explora la tensión entre las expectativas teóricas de las políticas (policies) y su efectiva puesta en práctica. Directora ejecutiva de la Canadian Museums Association, Vitali plantea una descripción de iniciativas actuales en el campo museológico canadiense en la que explorará estrategias para apuntalar políticas de memoria, cambio climático y decolonización en tensión con otros casos en la región y en el campo global de los museos.

Entre las líneas de la autonomía es un panel de dos conferencias en las que participan la curadora y filósofa Itala Schmelz Herner (México) y la curadora y artista Carolina Chacón Bernal (Colombia). Schmelz, centrada en la reflexión sobre los museos de arte, presentará la conferencia “El arte como heteronomía y la autonomía en los museos”, mientras que Chacón Bernal desplegará investigaciones comunitarias, de género y sociales activadas como curadora adjunta del Museo de Antioquia de Medellín, Colombia. Esta dupla de conferencias busca emplazar la idea de la autonomía como espacio de construcción de diferencia.

En Quebrar los relatos, desnormalizar lo público se desarrollan las presentaciones de la historiadora del arte, curadora e investigadora, Gloria Cortés Aliaga (Chile) y de la Doctora en Dissability Studies por la Leeds University Beatriz Miranda(México). En esta mesa se plantean dos dimensiones públicas de la práctica museológica contemporánea, por un lado en “Contaminar los relatos. Ejercicios curatoriales en colecciones occidentalizadas, hegemónicas y colonizadas”, Cortés Aliaga plantea formas críticas de mirar e invertir las políticas curatoriales para exhibir las colecciones museales, específicamente, en su caso, desde Museo Nacional de Chile. Por otro lado, Miranda presenta una serie de tentativas para complejizar los estudios de la discapacidad en los museos y la crítica de la hegemonía de regímenes escópicos desde el dispositivo museológico.

También se realizará el panel Museos políticos, públicos especulativos, en éste se presentarán tres proyectos de creación de museos artísticos que plantean un uso crítico del aparato museológico y una ficción desbordada de la política pública e institucional. Presenta en esta mesa la curadora e historiadora Zanna Gilbert (Reino Unido) sus recientes proyectos Moma Cubicley Mama Cubicle, realizados respectivamente en su cubículo de investigadora posdoctoral y en el salón de lactancia del Museo de Arte Moderno de Nueva York. También se presenta el proyecto artístico Vernissage. Museo de las FARC de la artista visual Tatyana Zambrano (Colombia) y Roberto Ochoa (Colombia). Zambrano plantea –desde las discusiones en torno a las políticas de memoria colombianas en torno a la enunciación del posconflicto– una figuración crítica de un museo de una de las guerrillas más complejas del hemisferio desde operaciones artísticas específicas y estrategias museológicas alteradas. Asimismo se presenta Revisitando el Museo Salinasuna ponencia del artista visual Vicente Razo (México), en ésta hace una revisión de su proyecto de museo conceptual de la cultura política y popular mexicana durante los años noventa.

Premios William Bullock 2019

En la presentación Del bosque a las periferiasse describirán de manera programática los dos proyectos ganadores del Premio William Bullock 2019. De entre 16 propuestas, el primer premio—dotado con $285,000.00 pesos mexicanos y otorgado por el British Council y el USC Fisher Museum of Art—se entregará a “Cherán. La revolución empezó en el bosque” presentado por la museógrafa y gestora cultural Livier Jara (México) y por el artista visual y pedagogo Israel Merla (México). Este proyecto propone co-crear una plataforma de intercambio de saberes, participación comunitaria y experimentación de diversos lenguajes de las artes visuales en conjunto con la comunidad de artistas del municipio de Cherán y con diversas micro-comunidades de artesanos, diseñadores y artistas que confluyen en el Centro Cultural Antiguo Colegio Jesuita de Pátzcuaro, Michoacán.

En esta edición del Premio William Bullock, el jurado decidió otorgar por primera vez un segundo premio de $175,000.00 pesos mexicanos a “Vértice Territorio y arraigo” presentado por el historiador y curador Francisco Tonatiuh López (México) y la curadora e historiadora Helena Lugo (México). El proyecto tiene por objetivo activar procesos de cuidado, valoración y recuperación de espacios, medio ambiente y prácticas particulares del pueblo de Santa Clara Coatitla y otras regiones de Ecatepec, Estado de México, a partir de la creación de conexiones entre prácticas artísticas, urbanísticas, ecológicas, medicinales y políticas desde la plataforma Museo de Arte Contemporáneo de Ecatepec (MarCE). Este premio es otorgado por el Fondo Arte Contemporáneo A.C., Amigos del Museo del Palacio de Bellas Artes y la Coordinación Nacional de Artes Visuales del INBAL.

Los Premios William Bullock 2019 reconocen a los proyectos de museología crítica (investigaciones, curadurías, programas pedagógicos, programas académicos, acciones comunitarias) desarrollados por profesionales de museos, colectivos, artistas, curadores, gestores o investigadores que incorporen a un museo con una comunidad específica, identificando los alcances, compromisos, responsabilidades e impacto social.

Mexican Museums Programme. Lanzamiento de proyecto

Con miras a ampliar el impacto de la Cátedra Extraordinaria de Museología Crítica William Bullock, el British Council ha desarrollado un Programa de Museos integral para fortalecer los vínculos entre las instituciones del Reino Unido y México, fomentar proyectos de colaboración y mejorar las habilidades de los profesionales del sector de los museos en México, junto con los museos británicos y las organizaciones culturales. El programa se extiende hasta el 2020 e incluye una experiencia de intercambio con Reino Unido, así como una Academia Internacional de Museos que otorga herramientas para abordar los desafíos que enfrenta el sector de los museos en México. Participan de México Alejandro García Aguinaco, Cintia Velázquez, Pamela Zúñiga y María García Holley.

Primera publicación de la Cátedra William Bullock

Museología crítica. Temas selectos reúne una selección bilingüe de los textos más destacados de la Cátedra Extraordinaria de Museología Crítica William Bullock y tiene, por tanto, la finalidad de nutrir la aún incipiente biblio­grafía sobre museología crítica en el ámbito iberoamericano, dar cuenta de sus aportaciones discursivas al campo museológico y, al mismo tiempo, actualizar los debates que la cátedra ha propiciado sobre el museo como una esfera pública, donde la cultura, las identidades hegemónicas y las ciudadanías “débiles” son impugnadas con el objeto de renovar los vínculos entre los diversos públicos y los museos, generar proyectos que hagan más porosas y democráticas esas instituciones y construir comunidades de práctica y de colaboración significativas en nuestros contextos.

La publicación —coeditada por British Council México, Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura y el Museo Universitario Arte Contemporáneo en su serie Cuadernos MUAC—está dividida en tres capítulos generales: museología crítica/espacios museales; museo como espacio de representación e historias, memorias y fronteras, con textos de Mónica Amieva (México), Américo Castilla (Argentina), David Fleming (Reino Unido), Yaiza Hernández (España), Mônica Hoff (Brasil), Selma Holo (Estados Unidos), Fabiano Kueva (Ecuador), Simon Knell (Reino Unido), Roc Laseca (España), William López (Colombia), Suzana Milevska (Macedonia), Luis Gerardo Morales (México), Monserrat Narváez (México), Martina Santilan (México), Sheila Watson (Reino Unido), entre otros.

La residencia como intercambio crítico. Clínica para profesionales

A partir de un esfuerzo conjunto entre USC Fisher Museum of Art; Art Division (Los Ángeles, EEUU), el Centro de las Artes San Agustín (Etla, Oaxaca) y La Curtiduría (Oaxaca de Juárez), se realizará una clínica coordinada por Selma Holo y Dan McCleary. La clínica consiste en un panel con profesionales, ejercicios prácticos y sesiones de trabajo en común con el objetivo de generar una crítica sobre los formatos de trabajo museales (como la residencia), y contribuir a la construcción de una plataforma de intercambio profesional entre los participantes.

La clínica se divide en cuatro partes y se desarrolla a lo largo de todo el día sábado 15 de junio en el Centro de las Artes San Agustín. Se presentará un panel con los participantes, talleres de diseño de programas y curaduría, así como una sesión de Juzgado para valorar procesos museológicos, museográficos y artísticos al diseñar residencias artísticas. Participan: Demián Flores (México), Dan McCleary (Estados Unidos), Vanda Vitali  (Canadá), Lluvia Alejandra Sepúlveda (México), Daniel Brena (México) y Cecilia Mingüer Vargas (México). Organiza Selma Holo (Estados Unidos).

Lo relevante

Hoy llega la 66 Muestra Internacional de Cine a Oaxaca

Por octavo año consecutivo OaxacaCine presentará la Muestra Internacional de Cine de la Cineteca Nacional en la ciudad de Oaxaca.

A partir de hoy 7, mañana 8, el 10, 11, 12 y 13 de junio se exhibirá una selección de títulos de la sexagésima sexta Muestra Internacional, en el Teatro Juárez, con funciones a las 18, 19 y 20 horas. La programación reúne películas provenientes de México, Francia, Rusia, Reino Unido, Polonia, Pakistán, Japón y Hungría, además de un clásico de la extinta Unión Soviética.

En la sección OaxacaCine Niños, el 14 de junio a las 18 horas, se exhibirá un fantástico estreno de animación japonesa Mirai, nuestra pequeña hermana.

Para cerrar la temporada, el 14 de junio a las 20 horas, se proyectará en función especial la más reciente película del alemán Christian Petzold, En tránsito.

La Muestra inicia hoy 7 de junio a las 19 horas con la película mexicana La camarista (2018), ópera prima de Lila Avilés, con la que obtuvo el Ojo a Largometraje Mexicano y el Premio Guerrero de la Prensa en el Festival Internacional de Cine de Morelia (2018). Durante la función se contará con la presencia de Tatiana Graullera, productora de la cinta.

Adicionalmente, mañana 8 de junio a las 12 horas en el Instituto de Artes Gráficas (Macedonio Alcalá 407, Centro), Graullera dará una plática sobre producción cinematográfica, dirigida a cineastas, productores, cinéfilos y público en general. La plática será de entrada libre.

La Muestra continuará el mismo 8 de junio a las 18 horas con el documental de Tom Volf, María por Callas (Francia, 2018), que busca resignificar la figura de la intérprete griega con una exhaustiva búsqueda de primera voz.

El mismo día pero a las 20 horas se presentará Leto (Rusia-Francia, 2018). Ambientada a principios de los 80, la cinta de Kirill Serebrennikov da cuenta de la escena rockera de la Unión Soviética, al tiempo que nos narra un triángulo amoroso entre dos rocanroleros y una mujer. Una historia de despertar del punk y la new wave.

El 10 de junio a las 18 horas se exhibirá Jamás llegarán a viejos, donde Peter Jackson entrega una experiencia cinematográfica vivencial y envolvente con motivo de los 100 años del fin de la Primera Guerra Mundial.

El mismo 10 a las 20 horas se hará presente Un día más con vida (Polonia, 2018) donde Raúl de la Fuente y Damian Nenow cuentan –a través de la animación y el material de archivo– el paso del escritor Ryszard Kapuściński por la Angola de la Guerra Fría: una espectacular crónica que cuestiona el papel del reportero en tiempos difíciles.

El 11 de junio a las 18 horas la Muestra continuará con La boda (Bélgica-Pakistán, 2016). Basada en hechos reales, pone sobre la mesa los choques culturales entre el mundo occidental y oriental: crímenes de honor, matrimonio forzado e inmigración. Una exposición de las fuertes represiones que sufre una joven mujer paquistaní.

El mismo día a las 20 horas se hará presente Asako I & II: soñar o despertar (Japón-Francia, 2018) de Ryusuke Hamaguchi. El director se inspiró en la obra literaria Netemo sametemo de Tomoka Shibasaki donde una joven se enamora de dos personas idénticas con diferente personalidad en dos momentos de su vida.

El 12 de junio a las 18 horas se proyectará En guerra (Francia, 2018) de Stéphan Brizé. Una película apasionante y excepcional en su ultra realismo social sobre la lucha de unos obreros amenazados por el cierre de su fábrica. Un retrato de la eterna lucha de los derechos laborales, en una Francia contemporánea.

Posteriormente, a las 20 horas se exhibirá Atardecer (Hungría-Francia, 2018) donde László Nemes retrata el final de un imperio, el austrohúngaro, y la chispa que provocó la Primera Guerra Mundial. El film nos habla de una joven en busca de su hermano y de sí misma, en la caótica Budapest de 1913.

Finalmente, el 13 de junio a las 18 horas se presentará el duro punto de vista del clásico soviético, Ven y mira (URSS, 1985) de Elem Klímov, que refleja las atrocidades de la ocupación nazi en Bielorrusia y vuelve a las salas de cine en una versión restaurada.

Para cerrar la temporada, el 14 de junio a las 18 horas se exhibirá en la sección OaxacaCine Niños, Mirai, nuestra pequeña hermana (Japón, 2018) de Mamoru Hosada. Mejor película animada del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (2019). Kun un pequeño niño de cuatro años, empieza a vivir el mayor cambio de su vida, llega un nuevo miembro de la familia a casa. Sus padres comienzan a poner especial atención a su hermanita nueva y Kun experimenta los mayores retos. Le empiezan a pasar las más misteriosas cosas desde el momento en que recibe la visita de su pequeña hermana del futuro.

El mismo día a las 20 horas se proyectará, en función especial, En tránsito del director alemán Christian Petzold. Basada en la novela de Anna Seghers escrita en 1942 en Marsella. Sirviéndose de los paralelismos entre hechos históricos y la Marsella actual, Petzold cuenta la historia de un gran amor casi imposible nacido entre exiliados que anhelan encontrar un lugar al que llamar hogar. En tránsito formó parte de la Sección

Oficial del Festival Internacional de Cine de Berlín y de la Semana de Cine Alemán del Goethe Institut Mexiko, en 2018.

Los boletos para las funciones se encuentran en el Teatro Juárez: $30 general / $20 con descuento (estudiantes, maestros e INAPAM, presentando credencial vigente). A la venta en taquilla del teatro los días de función de 16:00 a 20:00 horas.

La cartelera completa la podrás consultar en www.oaxacacine.com

El artista oaxaqueño Olegario Hernández viaja con su muestra Ra’a Yachí Kanú

Santa Cultural

Ciudad de México.-  Este sábado 8 de junio, a las 12:00 horas, el maestro oaxaqueño Olegario Hernández inaugurará la exposición Ra’a yachí kanú, El señor jícara grande, que será recibida en la sala María Sabina del Museo Nacional de Culturas Populares en la capital del país.

Compuesta por una serie de jícaras bellamente decoradas con elementos florales y representaciones de animales en peligro de extinción, la muestra aborda la problemática de la explotación comercial descontrolada de la flora y la fauna en los territorios de las comunidades indígenas. La acompañan una serie de grabados en metal sobre papel que ahondan sobre la misma temática.

En esta propuesta, el artista también busca promover la jícara en su sentido utilitario, como recipiente para ingerir bebidas utilizado desde tiempos prehispánicos y con ello, contribuir a la erradicación del consumo de plásticos.

Olegario Hernández es originario de Pinotepa de Don Luis, Oaxaca. Estudió Artes Plásticas en la Universidad de Guadalajara y desde temprana edad aprendió el oficio de la talla de la jícara. Su actividad artística, así como la originalidad de su obra y contenidos han sido del interés de diversas instituciones a nivel nacional e internacional.

En 2007, Hernández desarrolló el proyecto de joyería Taller Yachin, en el que se emplea el fruto del árbol de jícaro (crescentia alata) para la elaboración de las piezas, con el respaldo del Programa de Apoyo a las Culturas Municipales y Comunitarias (PACMyC), de la Dirección General de Culturas Populares, Indígenas y Urbanas.

Una de sus principales aportaciones al trabajo artístico se encuentra en Pinotepa de Don Luis, donde instauró un taller conocido como Yutin Tuyachin, en mixteco “Árbol de jícaro”, cuyo objetivo es reinstaurar el oficio del labrado de este fruto como actividad artesanal y económica en la comunidad.

La muestra Ra’a yachí kanú. El señor jícara grande. Olegario Hernández permanecerá abierta hasta el 22 de septiembre del presente año y estará acompañada de diversas actividades como talleres y visitas guiadas.

Los días 8 y 9 de junio, a las 13:30 y 11:00 horas, respectivamente, el maestro Olegario Hernández impartirá para el público en general el taller gratuito de grabado en jícara Ra’a yachí kanú, en el patio Quinta Margarita. El cupo es limitado. Inscripciones en la siguiente dirección seducativos@cultura.gob.mx

La cita para disfrutar de esta exposición es en el Museo Nacional de Culturas Populares, ubicado en Av. Hidalgo 289, colonia Del Carmen, Coyoacán. De martes a jueves de 10:00 a 20:00 horas y de viernes a domingo de 10:00 a 20:00 horas. La entrada al público es de 15 pesos. El domingo entrada libre.

Ballenas, pulpos y poesía en la obra de Isabel Zapata

Esto nos dice Isabel Zapata sobre los cetáceos, que se asemejan a islas sobre el mar y cuyo tamaño posibilita que sean habitadas por miles de organismos que hacen del animal su propio mundo, viviente y en constante movimiento.

En las páginas de Una ballena es un país, nuevo libro de la editorial oaxaqueña Almadía, Zapata parte de este y otros datos sobre animales como pretexto para que su lenguaje poético nos invite a recuperar el vínculo que compartimos con  otras formas de vida en el mundo que habitamos.

“Tres corazones en la cabeza y neuronas en los tentáculos: por eso sienten con el cerebro y piensan con los pies”, escribe Zapata sobre los pulpos, que habitan las páginas del libro junto a tortugas, tigres, tardígrados, tlacuaches, perros e incluso animales extintos o fantásticos.

El título, que nos hace conocer la forma que tienen los huevos de tiburón, el tamaño del corazón de una ballena o sobre la llegada del primer rinoceronte a Europa, será presentado en Oaxaca por su autora, como parte de Cartelera Fondo Ventura, programa de actividades artísticas y literarias gratuitas.

Zapata es escritora y traductora; autora de los poemarios Ventanas adentro (2002) y Las noches son así (2018), así como del volumen de ensayos Alberca vacía (2019). Ha colaborado en publicaciones periódicas tales como Tierra Adentro, Revista de la Universidad de México, Periódico de poesía, Literal, Horizontal, Letras Libres y Este País. Además, es co-fundadora de la editorial Antílope.

“Isabel Zapata escribe con una naturalidad que sólo puede provenir de la sabiduría. Por momentos parece que en lugar de leerla la escucháramos y hasta pudiéramos contestarle”, escribió sobre ella Alejandro Zambra, uno de los muchos críticos que han recibido de buena manera el trabajo de la mexicana.

Zapata es una de las autoras con las cuales Fondo Ventura da espacio y voz a la literatura hecha por mujeres, a fin de seguir enriqueciendo el mundo de las letras con la diversidad, tan necesaria para la comprensión y el diálogo de todas las partes que conforman nuestra sociedad.

Además, su llegada y la de otras autoras que se han presentado en la Cartelera Fondo Ventura en este 2019 —Camila Fabbri, Yolanda Segura— preparan el camino rumbo a la 39 Feria Internacional del Libro de Oaxaca (FILO), que este año ofrecerá un programa en que las mujeres tendrán un papel preponderante.

La cita para conocer a fondo Una ballena es un país es mañana jueves 6 de junio a las 18:30 horas en foro El Huaje, ubicado en la 2a planta de Proveedora Escolar Casa Matriz (Independencia #1001, Centro). Será presentado por la autora, Erandi Adame y Ana Tejero. Como la mayoría de las actividades de la  Cartelera Fondo Ventura la entrada es gratuita y libre.

Actriz oaxaqueña gana premio a mejor cortometraje en Egipto

Agencias

Ciudad de México.-  La actriz y directora mexicana Ángeles Cruz originaria de Oaxaca, recibió el pasado jueves el premio a mejor cortometraje en el Ismailia International Film Festival, celebrado en Egipto por su más reciente obra titulada Arcángel.

Arcángel cuenta la historia de un campesino 50 años que debe buscar una casa para Patrocinia, una abuelita de su comunidad antes que él pierda la vista. Arcángel se rodó en Oaxaca y esta nominada a los premios Ariel de la  Academia Mexicana de Artes y Ciencias Cinematográficas (AMACC).

Ángeles Cruz publicó en sus redes sociales “Hoy llegó desde Egipto este premio bellísimo. Gracias a todas las personas, crew, familia, amig@s que hicieron posible la realización de nuestro cortometraje “Arcángel” mi corazón y agradecimiento por siempre”, escribió la actriz en sus redes sociales al lado de las fotos con el codiciado premio.

Arcángel fue producido por Lola Ovando, participó en el 2018 en el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) y en el Guanajuato International Film Festival (GIFF).

Ángeles Cruz

Una de las actrices que más atención ha ganado, por su trabajo frente y detrás de las cámaras, Ángeles Cruz nació en la Villa de Guadalupe Victoria San Miguel El Grande, en Tlaxiaco, Oaxaca. Su gusto por la actuación fue, casi, un accidente. De niña quería dedicarse a la tierra y al cultivo, deseando estudiar Ingeniería en Agronomía. Para hacerlo, debía mudarse a Chapingo, pero su madre le sugirió que, debido a su corta edad, siguiera estudiando en Oaxaca. Así fue como Ángeles entraría al Centro de Educación Artística “Miguel Cabrera”, donde descubrió su verdadera vocación: la actuación.

Terminando su estancia en dicha institución, Ángeles se mudó a la Ciudad de México para estudiar una Licenciatura en Actuación, en la Escuela de Arte Teatral del Instituto Nacional de las Bellas Artes (INBA). Tras 20 años de carrera, la actriz cuenta con una trayectoria sobresaliente. En teatro, Ángeles ha aparecido en obras como Palabras, Fortunas de Andromeda y Perseo, Murmullos, Estaba yo en casa y esperaba que lloviera y La Tricia. En cine, la actriz ha participado en cintas como La otra conquista (1998), Rito terminal (2000), Aro Tolbukin – En la mente del asesino (2002), El violín (2005), Espiral (2008), Marcelino (2010), Tamara y la Catalina (2016), además de participar en series de televisión como La duda (2002), Capadocia (2008), El Chapo (2017) y Aquí en la Tierra (2018).

Ángeles también se ha dedicado a escribir, producir y dirigir dos cortometrajes premiados: La tiricia o de cómo curar la tristeza (2012) y La carta (2016).

“Los colores del alma” en la Casa de la Cultura Oaxaqueña

Reconocido artista plástico oaxaqueño con una firme carrera dentro de la pintura y la serigrafía, Alejandro Martínez es también diseñador gráfico y catedrático, desde hace 11 años utiliza como pigmento base de su trabajo la Grana Cochinilla; gustoso del proceso alquímico que conlleva la obtención de diversos tonos a partir de estos parásitos, empleando la técnica de combinación de 7 colores que en el 2008 le enseñó la Maestra Beatriz Loreto Pineda.

En “Los colores del almas” el artista muestra árboles en una diversidad de tonalidades creadas a partir del uso de la Grana Cochinilla sobre tela o papel; el título de la exposición refiere el alma de esta larva que vive en los colores de la obra, es darle protagonismo al insecto que en el siglo XVIII captó la mirada de gran parte de Europa y Asia.

Para Alejandro presentar su propuesta artística en la Casa de la Cultura Oaxaqueña es una oportunidad de llevar su obra al público local pero sobre todo acercarla a la nueva generación de artistas que transitan este espacio, que conozcan una técnica olvidada y reconozcan en la Grana Cochinilla, el “oro rojo oaxaqueño” el origen de los pigmentos y la forma tradicional de su elaboración.

En su haber Alejandro Martínez cuenta más de 30 exposiciones tanto individuales como colectivas, sus piezas han visitado espacios en Costa Rica, Japón, Ciudad de México, Estados Unidos, en donde también ha impartido talleres de Grana.

La exposición Pictórica “Los colores del alma”, se inauguró el pasado viernes en la Galería Rufino Tamayo de la CCO con la presencia del autor y podrá ser visitada hasta el 3 de julio 2019

El conversatorio “Los colores del alma” el maestro Alejandro Martínez platicó sobre su experiencia, su iconografía y su proceso creativo se, lo acompañó la maestra Beatriz Loreto Pineda.

Exposición “El asombroso gabinete de curiosidades” de Cuatro Suspiro

La Biblioteca Francisco de Burgoa alberga la exposición titulada ‘El asombroso gabinete de curiosidades’ de Cuarto Suspiro.

Está muestra es una exploración bibliográfica de los acervos que resguarda la biblioteca, de la que nace la historia ficticia del Capitán Jenkin Van Hout, a partir de descripciones e ilustraciones de flora y fauna en libros de aventureros, naturalistas y exploradores desde el siglo XVI hasta el XIX.

Algunos de estos volúmenes se exhiben junto a las piezas de cerámica que inspiraron, todas ellas enmarcadas por la historia fantástica de un navegante del siglo XVI y su odisea para recolectar y describir algunos de los objetos más extraños de la naturaleza.

La muestra se puede observar en la biblioteca Francisco de Burgoa.

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