En Tlacolula, Tianguis del Trueque y monedas complementarias

En este evento se podrá encontrar Charlas, Talleres, Gastronomía, Artesanía, Productos Orgánicos, bailables, música y más y se realizará en el Parque Juárez en Tlacolula de Matamoros, junto al tradicional tianguis de cada domingo, donde permanece todavía el uso del trueque y varias comunidades del distrito vienen por hacer sus intercambios de productos.

Además del trueque y de los intercambios con Túmin, Chapulines y Pesos, en el marco del evento se desarrollaran el taller de cerámica de barro con maestro Daniel Martínez y las pláticas sobre la Cultura de los Pueblos Originarios con Jaime Luna el impulsor de la Comunalidad, Cantor, Antropólogo y Comunicador de Guelatao (Sierra Norte), doña Aurora Bazán maestra artesana por tradición y promotora de proyectos tradicionales, miembro de la 1° coordinación del Túmin Zapoteco de Teotitlán del Valle (Oaxaca) y el italiano Marco Turra, activista, promotor cultural y gran impulsor del Túmin a nivel nacional.

Desde 2015 los socios del Tumin Oaxaca llevan a cabo el Tianguis Tumista, las primeras tres ediciones en Teotitlán del Valle y la cuarta del año pasado en Tamazulápam del Progreso en la Mixteca Alta, contando con la participación de los estados de: Veracruz, Morelos, Puebla, Edo. De México, Distrito Federal, Chiapas y municipios como Tlaxiaco, Mazunte. Este año por diferentes razones, se concentran más en el Estado de Oaxaca, en promover y dignificar la milenaria practica del Trueque y a invitar a los socios de los Chapulines, la otra moneda complementaria del Ex-Marquesado de Oaxaca.

El evento se realiza con la finalidad de promover las diferentes formas de intercambio, así como fortalecer la red y los vínculos tanto afectivos como organizativos entre los socios de diferentes monedas complementares de Oaxaca, para que de esta forma sigamos tejiendo redes de convivencia e intercambio solidario que nos ayuden a mejorar nuestras economías locales y organizaciones comunitarias entre nuestros pueblos y comunidades, que el Túmin viene haciendo desde 2010 en Espinal, Veracruz y que cada vez tiene la fortuna de contar con más socios, casi 2 mil en 20 Estados del País.

Todos están invitados, como compradores o vendedores (con una cuota de cooperación) sin ser socios de ningunas monedas, porque deciden ustedes si aceptarla, como de hecho acontece con el trueque. Ustedes pueden hacer trueque con quien, cuando y donde quieran, y los mismo pasa con el Túmin, Chapulines, Dolares, Euro … cuando los deciden aceptar.

Para mayor información en la Neveria La Zapoteca con Efigenia y Eloy 951 392 2021 FB: Tumin en Oaxaca / Tumin Oaxaca, tumin.oaxaca@gmail.com, www.tumin.org.mx.

Danza de Excelencia en Oaxaca, Sebastián Vinet llega a la entidad!

El Instituto profesional de Danza Cascanueces, bajo la dirección de la L.C.F. Alba Ricárdez, mismo que se sigue en constante crecimiento comprometido con la danza de excelencia y la formación de niños y jóvenes Oaxaqueños, repara para todos y todas las bailarinas Oaxaqueñas Clases Magistrales con el solista de la Compañía Nacional de Danza “Sebastián Vinet”.

Mañana sábado 10 de agosto el Instituto tendrá el gran honor de recibir en Oaxaca al primer bailarín chileno “Sebastián Vinet” Directamente de la 5th International Ballet Star Gala en Beijing donde estuvo en días pasados. Vinet estará en tierras oaxaqueñas compartiendo un poco de su talento en estas clases enfocadas a bailarines en formación y profesionales.

Las inscripciones están abiertas en Gonzalez Ortega #120 col. Centro, para que todos los interesados no se pierdan esta oportuidad.

El Instituto Cascanueces cuenta con los más altos estándares de la danza mundial reconocido por introducir el sistema Ruso de Ballet Clásico al estado con la Metodología “Schottland-Issaev” además de obtener su certificación ante el Council International de la danse UNESCO con sede en Páris,Francia.

Sebastián Vinet

Nació en Santiago de Chile. Estudió en la Escuela de Ballet del Teatro Municipal de Santiago, Chile, y en el Houston Ballet Academy, Estados Unidos. Ha participado en: Houston Ballet, San Francisco Ballet y Ballet de Santiago. En Estados Unidos bailó roles principales y solistas de coreógrafos como, Marcia Haydée, Kenneth Macmillan, William Forsythe, Christopher Wheeldon, Helgi Tomasson, Stanton Welch, Mark Morris, Ben Steveson, John Cranko, Demis Volpi, Kenneth Macmillan, Marius Petipa entre otros. Ha participado en galas en Inglaterra, Dinamarca, Hungría, China, USA, Canadá, República Dominicana, Rusia y Suiza, donde resultó ganador en una de las competencias más importantes del Mundo Prix De Lausanne en el 2009. Ingresó en 2016 a la Compañía Nacional de Danza donde actualmente es solista.

Oso en retrospectiva, de Luz María López Cruz, en el IAGO

La Secretaría de Cultura, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, inaugura este jueves 8 de agosto a las 19 horas la muestra Oso en retrospectiva de la artista oaxaqueña Luz María López y que permanecerá hasta el 1 de septiembre en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

La artista Luz María López Cruz, conocida como Oso LC, presenta una retrospectiva de su obra artística realizada durante 2019, bajo la curaduría del IAGO, la cual está conformada por una serie de 15 grabados en metal, 15 dibujos y 15 pinturas al óleo y acrílico sobre tela.

En esta exposición la figura del oso es representada en su totalidad y/o a través de alguna parte específica e identificable del cuerpo, como las garras, dientes y ojos, entre otros; en la cual se muestra el alter-ego, amante, Dios y protector que ignora el miedo y los peligros de su acompañante, una figura femenina creando una metáfora de la vida diaria dentro de atmósferas que corresponden a las habitaciones de un hogar.

Para la joven artista, nacida en 1994, la invención de una mitología personal es necesaria para explicar y pensar en su propia existencia de un símbolo en apariencia conocido, pues ella crea una serie de imágenes en las que se denota la búsqueda y la edificación de una identidad.

La historia del oso ha sido una epopeya de tristeza y sometimiento: pese a ser considerado el rey de los animales para muchos pueblos europeos, ha sido violentado, extinguido, expuesto en circos y actualmente, por ejemplo, nos da una imagen de la capacidad de destrucción que tiene el ser humano.

Cada quien guarda en su mente uno de esos momentos de atrocidad animal que puede extenderse a toda clase de seres vivos. Es posible que Oso LC haya querido crear una idea paralela al sufrimiento que hemos mencionado, pues no sólo ha humanizado a dicho animal, sino que le ha creado un espacio idílico, una serie de escenas familiares, dicho sea, ha construido una casa para seres solitarios, marginados.

Es evidente que hay un juego, una oscilación entre fuerza y fragilidad; no se trata solamente del diálogo entre el oso y la chica, sino que los colores, los trazos, los escenarios, que van de lo delicado a lo violento, pasando de uno a otro de modo paulatino, busca el equilibrio entre fuerzas. En este sentido, todo en la exposición parece premeditado. Probablemente es resultado de un trabajo constante y quizá obsesivo, de un volver, una y otra vez, sobre las formas de dos cuerpos.

No es necesario que haya palabras. Hay un entendimiento secreto entre la chica y el oso, hay un discurso de amor (con todo lo que dicha palabra puede traer consigo). Se trata de un discurso intimista, natural y fantástico. No importa la técnica, lo que se busca es la expresión, la obsesión por una figura de fuerza y contrapeso frente a otra que resulta ser su complemento.

En esta primera exposición de la artista hay algo importante que es el modo como se ven estos dos personajes, desde diferentes direcciones, es una serie de momentos de una vida compartida y que no puede corresponderse con una etiqueta determinada. En este sentido, no es un relato biográfico, ni una fábula o un cuento infantil, o una alegoría. Más bien es todo eso unido.

La mirada de Oso LC puede ser original en el sentido de que se ve sin prejuicios, a veces con malicia y/o tiernamente. El arte enseña a mirar, pero también a suspender el juicio y dejarse llevar, es decir, a dejar de mirar. Es probable que esto último sea válido para Oso en retrospectiva.

Luz María López Cruz estudió la licenciatura en Artes plásticas y visuales en la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Ha participado en exposiciones colectivas e individuales y en 2018 se tituló con el proyecto de tesis El bosque, la niña y el oso. Poética pictórica autorreferencial. Actualmente trabaja como bibliotecaria en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca.

De Brasil a Oaxaca pasando por España: el dilema de las lenguas de herencia

Brasileña de nacimiento, madre en una familia intercultural y radicada desde 2004 en la región catalanohablante de España, Andreia Moroni se enfrentó a un dilema al momento de formar una familia: ¿cómo hacer que en medio de tal diversidad, orígenes e influencias sus hijos hablaran portugués, su lengua materna?        

Fue así como la hoy doctora en Lingüística Aplicada y Estudios Lingüísticos, Literarios y Culturales comenzó a interesarse por las lenguas de herencia. De tal forma, en 2009 fue una de las fundadoras de la Asociación de Padres de Brasileirinhos en Cataluña – APBC, organización pionera en trabajar con familias en cuyo origen se practicara el portugués pero con residencia donde se hablara otra lengua.

En APBC aprendió del contacto con familias mixtas, pero también con educadores, ideando maneras de enseñar la lengua y la cultura originarias de sus familias a los niños.  Sobre la marcha, Moroni reforzó la idea de que “la diversidad lingüística es importante porque a través de ésta se manifiesta la riqueza de las culturas, se manifiesta la valoración de lo que es distinto, de una cultura de la tolerancia y de respeto. Una visión que nos permita seguir aprendiendo con la diversidad, del otro, de aquel que es distinto a lo que soy yo. Que facilite un entorno de convivencia idealmente pacífico”.

Trabajando de esta manera, Moroni identificó importantes necesidades, como la de garantizar los mismos servicios educativos, de salud, legales y en general a todo lo ofrecido por el estado en la pluralidad de lenguas existentes en su territorio.  Asimismo, le fueron visibles las problemáticas para la práctica de las lenguas de herencia, como el desplazamiento geográfico o las presiones de una lengua hegemónica, lo que las vuelve lenguas minimizadas, habladas por minorías en una sociedad o contexto en donde predominan otras formas de comunicación.

Para contrarrestar la minimización de las lenguas herencia, Moroni propone la acogida lingüística, es decir, la manera de aceptar, admitir, aprobar o recibir alumnos hablantes de otros idiomas distintos del idioma de escolarización predominante. Eso es benéfico en aspectos que van desde el aprovechamiento de la enseñanza hasta la autoestima de los alumnos en sociedades donde se ha normalizado el bullying hacia quienes son diferentes por una u otra razón a la mayoría.

Sobre esto y más, Andreia Moroni hablará al público de Oaxaca, entidad donde más de 16 grupos étnicos conviven, cada uno con su lengua y variantes, pero aún sin poder lograr una total inclusión y trato igualitario para todos ellos. Las necesidades, problemáticas y oportunidades que Moroni estudia de manera cotidiana son similares a las del estado por la pluriculturalidad que ostenta.

De esta manera Cartelera Fondo Ventura se une al Año Internacional de las Lenguas Indígenas declarado por la UNESCO, con la charla Las lenguas indígenas: ¿cómo y por qué transmitirlas?  la cual Moroni ofrecerá el jueves 29 de agosto a las 19:00 horas en el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO), ubicado en Macedonio Alcalá #507, Centro.

Asimismo, esta charla es un preámbulo de lo que vendrá en la 39 Feria Internacional del Libro de Oaxaca (FILO) donde las lenguas originarias tendrán un lugar primordial, así como sus hablantes.

Cartelera Fondo Ventura es el programa de actividades gratuitas que mes a mes se ofrece en distintas sedes de la ciudad de Oaxaca por Fondo Ventura A. C., asociación civil que trabaja por el desarrollo social del estado a través de la literatura y el arte.

“Máquinas de Henequén. Colección de Guillermo y Mari Olguín” en CaSa

La exposición que se inauguró a finales de julio titulada Máquinas de Henequén. Colección de Guillermo y Mari Olguín en el Chalet del Centro de las Artes de San Agustín (CaSa) puede ser admirada y así conocer las piezas que presumiblemente pertenecen a la época de la fiebre del henequén.

En el texto de sala Santiago Olguín Mitchell y Daniela Limón Velázquez asumen que se trata de moldes para crear piezas de hierro fundido que componían la maquinaria del proceso industrializado de la fibra de este agave, tan valioso que marcó una época socioeconómica en el mundo del siglo XIX a mediados del siglo XX.

“Las piezas provienen de alguna de las tantas haciendas henequeneras, pues en su máximo esplendor se estima que en todo el territorio de la península yucateca habría unas mil 700 haciendas”, se detalla en el texto.

En el texto explica que existen plantas mágicas en México, “sorprendentes, llenas de propiedades y nobles con la vida cotidiana. El henequén es una planta olvidada en los rincones de la historia de nuestra tierra”.

“Procedente de la península de Yucatán, su utilización se remonta a los mayas quienes descubrieron su asombrosa resistencia, desfibraban la penca para obtener hilos que transformaban en elementos de la vida diaria: calzado, mecates, tapetes, vestidos, morrales, hamacas, sacos, cuerdas y amarres de animales entre otros; además su uso notable de planta como barda para delimitar territorios”.

Se menciona que durante la colonia se instalaron en la región grandes haciendas azucareras, algodoneras y maizero-ganaderas; mientras que la producción del sosquil seguía siendo maya y local.

Olguín Mitchell y Limón Velázquez comentan que a la fibra obtenida del henequén, se le denomina sosquil palabra maya compuesta por dos raíces Sos: fibra y Ki: henequén o agave.

“No fue hasta el siglo XIX que la industria henequenera gozó de un auge monumental, pues resultó el sosquil ser una fibra sumamente resistente a la sal y a las temperaturas cambiantes y más flexible que el cáñamo, cualidades que captaron la atención de la industria mundial. Esto desencadenó la creación de maquinaria manual para agilizar la producción ante la creciente demanda”, se lee en el texto.

Olguín Mitchell y Limón Velázquez comentan que como resultado del ingenio, “extranjeros y mexicanos desarrollan en pleno auge la maquinaria henequenera: raspadoras, desfibradoras, cepilladoras, engavilladoras y calderas, ya que la energía utilizada para mover estas máquinas era proveniente del vapor”.

Exhibe el Museo Textil de Oaxaca colección de fajas y ceñidores tradicionales del mundo

La exposición ilustra los paralelos que existen entre piezas textiles proveniente de México, Guatemala, la región andina y otras regiones del mundo, las cuales se pueden apreciar en las salas Grana, Añil, Coyuchi, Caracol, de dicho museo ubicado en el Centro Histórico de la ciudad.

Tony y Roger llegaron a la Ciudad de México en 1968. La vocación de Tony como escritora de libros para niños y la profesión de Roger como banquero les permitieron conocer a varios devotos del arte y las tradiciones populares, señala Alejandro de Ávila, curador de la muestra.

La joven familia viajó a muchos lugares remotos y atestiguó los cambios dramáticos en la vida de los pueblos indígenas durante ese periodo. En uno de sus primeros viajes, adquirieron una faja que visten las mujeres de Cuetzalan en la Sierra Norte de Puebla, adornada en un extremo con lana de colores encendidos.

De regreso en la ciudad, un amigo de Roger opinó que semejante tejido luciría bien sobre la tapa del WC. Indignados por ese comentario, y alentados por conocedores del arte textil como Irmgard Johnson, Ruth Lechuga y Donald Cordry, Tony y Roger comenzaron a reunir una muestra de las fajas y los ceñidores de todo México. Así nació la colección que Tony donó al MTO en 2017, y que ahora se exhibe como un homenaje a la visión y la generosidad de ella y de su finado esposo.

Entusiasmados por la belleza de los textiles que iban encontrando desde la Sierra Tarahumara en Chihuahua hasta los Altos de Chiapas, la colección fue creciendo año con año. Roger era particularmente perseverante y logró convencer a muchas personas para que le vendieran ejemplos sobresalientes, algunos de ellos en uso, otros guardados como recuerdos familiares.

Habiendo cubierto la mayor parte del país, los Johnston ampliaron la mira y empezaron a adquirir fajas, ceñidores y cintas para el cabello en Guatemala. De manera paralela, incorporaron a su colección prendas análogas de la gente hopi y navajo del suroeste de Estados Unidos, y también bandas ceremoniales tejidas por los pueblos originarios de la región de los Grandes Lagos en el sureste de Canadá, completando de esa manera un acervo excepcional, representativo de toda América del Norte.

La institución financiera donde laboraba Roger lo envió a La Paz, en Bolivia, así inició una nueva fase en la vida de la familia y así surgió un segundo núcleo de la colección, tan rico y tan variado como lo que habían reunido en México.

En la región andina, Toni y Roger explayaron su talento como amantes consumados de los textiles. A principios de los años 1980, recién llegados ellos a Bolivia, se daban a conocer los tejidos excelsos que varias comunidades aymaras del altiplano habían conservado durante cien o doscientos años.

En esas fechas algunas familias decidieron vender parte de su legado y los Johnston pudieron comprar ponchos, awayos (capas de mujer) y otras prendas ceremoniales, además de las fajas maravillosas que los seguían fascinando.

Viviendo en La Paz, emprendieron viajes a Perú, Ecuador y Chile, donde encontraron ejemplos adicionales, buscando siempre tejidos de excelencia. Años después, cuando la familia regresó a California, llevaba consigo una colección extensa y magnífica de fajas y ceñidores de toda América.

Hasta donde se sane, no hay otra que se compare a ella en manos privadas o museo alguno.

Siempre inquieto, Roger se lanzó posteriormente a Bután, donde reunió un último conjunto de fajas, complementando las que Tony y él habían conseguido del sur de China, Indonesia, el centro de Asia, Turquía y Marruecos.

En 2016, segada la vida de Roger en un accidente de esquí, deporte que lo apasionaba, Tony tomó la decisión de donar el acervo entero a este museo, sumando casi mil piezas.

Ceñir el paraíso – La colección de Tony y Roger Johnston puede visitarse de lunes a sábado, de 10 a 20 horas, y domingo de 10 a 18 horas, la entrada es libre.

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Dialoga gráfica de colectivos La Curtiduría, de Oaxaca, & Art Division, de Los Ángeles

Ciudad de México.- La muestra Dos colectivos. Estampas de La Curtiduría & Art Division ofrecerá una revisión de los archivos de gráfica producidos durante 12 años en ambos talleres establecidos en Oaxaca y en Los Ángeles, California, respectivamente. La exposición se inaugura hoy sábado 3 de agosto en el Museo Nacional de la Estampa del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

El diálogo y el intercambio artístico entre La Curtiduría Centro de Artes Visuales, fundado por Demián Flores en Oaxaca, y Art Division, de Dan McCleary, en Los Ángeles, California, surgió hace un par de años con el interés de revisar la obra gráfica producida en ambos talleres dedicados a trabajar con jóvenes a partir de procesos artísticos para reflexionar sobre el presente, la sociedad y la cultura.

Dos colectivos. Estampas de La Curtiduría & Art Division está conformada por 78 estampas producidas durante la década de 2007 a 2017, dividida en tres núcleos temáticos. El primero está dedicado a los artistas docentes, quienes a lo largo de los años han sido base del profesorado impartiendo talleres, clínicas y seminarios.

El segundo bloque son los artistas invitados, quienes han producido y editado gráficas en estos talleres, pero también de creadores cercanos a sus proyectos e iniciativas. Por último, está el núcleo que exhibe piezas de los alumnos que han estudiado en los programas educativos de La Curtiduría: en las Clínicas de Especialización en Arte Contemporáneo (Ceaco).

“De esta manera tenemos un cuerpo de trabajo heterogéneo, de diversas generaciones y tendencias artísticas. Contamos con creadores consagrados, como la artista inglesa Sara Lucas que realizó una litografía en La Curtiduría en 2012. Su obra es un referente internacional que en los años noventa se insertó en el mundo del arte como parte del Young British Artist, exponiendo en los más importantes museos internacionales.

“Por el lado del taller Art Division destaca la serigrafía y collage que realizó en 2017 el artista James hd Brown, quien forma parte de diversas colecciones internacionales públicas y privadas, como The Museum of Modern Art, The Metropolitan Museum of Art y el Whitney Museum of American Art en New York, entre otros”, comenta Lluvia Sepúlveda, curadora de esta exposición.

En esta muestra el visitante también apreciará obras de los fundadores de ambos espacios, Dan McClear y Demián Flores, así como de jóvenes artistas que han sido residentes de La Curtiduría y de Art Division, como Amor Muñoz, Daniel Alcalá, Jaime Ruiz Otis, Víctor Reyes y Roberto Ortiz.

“El público encontrará obras de primer nivel realizadas por artistas jóvenes y consolidados en un diálogo Oaxaca-Los Ángeles, el cual busca ahondar en temas del presente, de la identidad y la memoria”, informó la curadora.

Hoy  sábado 3 de agosto se inaugurará Dos colectivos. Estampas de La Curtiduría & Art Division en el Museo Nacional de la Estampa, ubicado en avenida Hidalgo núm. 39, Plaza de la Santa Veracruz, en el Centro Histórico de la Ciudad de México. La muestra permanecerá en exhibición hasta el 3 de noviembre. Para mayor información solicitarla a través de munae.informes@inba.gob.mx.

Abren al público exposición “Dualidad” de Bazán y Damasco en Ciudad Juárez

Allí presentaron el trabajo que hicieron en base a una leyenda de la cultura del sur del país, según la tradición prehispánica, los dioses aztecas, mayas y mixtecos poseían la facultad de adoptar formas animales para interactuar con el ser humano y se convertían en ‘nahuales’. Cuando un niño nacía, el primer animal que se cruzará en su camino sería considerado su ‘nahual’, su guía espiritual. Arturo Damasco y Carlos Bazán retoman esta leyenda de la cultura del sur del país para trazarla con óleo y acrílico en Dualidades.

La exposición es una muestra plástica que combina el talento de estos dos pintores que pese a ser originarios de dos regiones muy diferentes y distantes del espacio geográfico nacional como es los montes de la mixteca del suroeste mexicano y la aridez del desierto del norte de México, se ven hermanados en el terreno del color y la forma que caracteriza al arte pictórico.

“Siempre existe el bien y el mal, el frío y el calor. En mi caso yo trabajo con un ecosistema de color y Damasco con una paleta de grises, por eso decidimos llamar así a la exposición”, platica el pintor originario de Oaxaca, Carlos Bazán.

Luego del acto protocolario, los asistentes a la muestra presenciaron con gran detenimiento las 15 pinturas que se trabajaron en formato mediano y grande con la técnica de mixto sobre tela;  siete serán del artista oaxaqueño, siete del juarense Arturo Damasco.

Esta muestra fue posible gracias al Gobierno Municipal Independiente de Juárez 2018-2021, a través del Instituto para la Cultura del Municipio de Juárez (IPACULT) y el Museo de Arqueología e Historia de El Chamizal (MAHCH).

Dicha exposición estará abierta al público hasta el 1 de septiembre del presente año,  en el Museo de Arqueología e Historia de El Chamizal, con dirección en: Avenida Carlos Pellicer 1, 32300 Ciudad Juárez.

Carlos Bazán

Es un artista autodidacta que nació en 1993 en San Cristóbal Suchixtlahuaca, Oaxaca; lleva 7  años dedicándose me manera profesional a la creación artística.

Su gusto por el arte inició a los 14 años cuando realizaba grafiti en las calles oaxaqueñas, hasta que decidió explotar sus habilidades y tomó un taller de dibujo.

A sus 25 años de edad ha realizado exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional y un total de siete series en las que siempre aborda temáticas relacionadas con los animales y la naturaleza como: “Infinito” y  “Mares lunares”.

Arturo Damasco

Es un artista visual juarense que nació el 9 de junio de  1984. Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto de Arquitectura Diseño y Arte (IADA) de la Universidad Autónoma de Ciudad Juárez (UACJ).

Su gusto por el arte surgió de las inquietudes que tenía desde niño por crear cosas con las manos, pero fue hasta los 17 años que tuvo conciencia sobre su interés en las creaciones artísticas.

Desde entonces, lleva alrededor de 10 años dedicándose al arte de manera profesional  y, a sus 35 años, ha realizado exposiciones y murales de manera nacional e internacional.

Entre sus obras más destacadas se encuentra el mural que le hizo a Juan Gabriel, ubicado en la zona Centro de la ciudad en la Av. Benito Juárez.

Viene a Oaxaca Mezcal Metal a presentar “Alma Eterna”

Fortino TORRENTERA/Ciudadanía Express

Con un sonido propio, la banda de heavy “Mezcal Metal”, viene a Oaxaca directamente de Celaya, Guanajuato a presentar su disco “Alma Eterna”, la noche de mañana viernes 2 de agosto en Candela, por lo que será para los amantes del Rock un hecho histórico.

Por primera vez se presentará en Oaxaca esta banda que forma parte del nuevo proyecto del fundador de la legendaria banda Cuero y Metal, Miguel Ángel Cortes Corpus “el vampiro” para ofrecer la fuerza de un heavy metal 100% mexicano.

Para esta presentación en la que tocarán el contenido de este disco, cuyo sencillo lleva el nombre de Mezcal Metal, estarán acompañados de la actuación de las bandas “Los calcetines rodantes” y “Copernicus”

“Alma Eterna” es una edición especial de este primer material que está totalmente hecha a mano, por lo que sólo se realizaron 50 piezas, se trata de un disco que mezcla de heavy rock y blues, con una fuerte idea mística en sus letras, con grandes ejecuciones y pasajes sonoros muy peculiares

Con esta presentación, inicia su primera gira para promocionar este material que sin duda será del gusto de los aficionados a la música bien hecha y donde se nota la manufactura de Miguel Ángel Corpus, oaxaqueño de corazón que sella con el nombre del grupo la hermandad entre Celaya y Oaxaca.

“Mezcal Metal” está formado por experimentados y talentosos integrantes, encabezados por el bajista, Miguel Corpus (cuero y metal); Iván Sabido “potter” en la batería; Antonio Valdez Hernández “el diablo”; Luis Biosca en las guitarras, y el cantante, David Granados “El flaco”.

La presentación será mañana viernes a las 20:00 horas en Candela que se localiza en Murguía 403, cuya preventa sencilla tendrá un costo de 80 pesos; la preventa especial 160 (incluye playera y disco), en taquilla 100 pesos y en taquilla especial 200 (incluye playera y disco).

EL TALENTO DE MEZCAL METAL

Miguel Ángel Cortés Corpus

Comienza a tocar la guitarra a los 11 años, a los 16 años funda el 1er grupo de Heavy Metal en Oaxaca llamado CUERO Y METAL donde empieza a tocar el bajo eléctrico y a componer música propia con influencia musical de los grupos de Rock de los 80″s desde entonces sigue componiendo canciones y participado con diversos proyectos musicales y compartiendo con diferentes bandas de rock blues funk y metal ahora con MEZCAL METAL proyecto de Heavy Rock.

Antonio Valdez Hernández “El diablo”

Experimentado músico con más de 25 años de carrera, estudio en el Conservatorio de Música de Celaya por 2 años, luego en la Universidad de Sonora departamento Bellas Artes. Piano 1año y finalmente en la escuela de Música G Martell, además tomó una Master Class impartida por Scott Henderson. Participo con la banda “vecinos distantes” en el concurso “valores juveniles Barcadí”. Fue segundo lugar a nivel nacional en el concurso “Carlos Santana” por la interpretación de la pieza “Europa”.

Trabajó como director musical y bajista para el compositor Miguel Luna en presentaciones por el Bajío y como guitarrista trabajó con el compositor “Fato” en su programa de televisión “directo al corazón” en Guadalajara, Jal.

Otros artistas con los que ha colaborado: Ricky Luis, Diaman (la voz México), Juan Solo, Bobby Olander (Arizona), entre otros. En 2012 la Revista Guitar Player (USA) publicó un lick (frase de guitarra) de su creación llamándolo HECHO EN MEXICO.

Es fundador de MATUS BLUES. Proyecto de blues con el que después de grabar el primer CD “Solo tengo un Blues” se ha presentado en diferentes lugares de Cozumel, en el festival de Blues de Queretaro, en Salvablues en la ciudad de Salvatierra y el festival de blues de Dolores Hidalgo y en otros lugares del estado de Guanajuato.

Luis Biosca

Comienza a tocar la guitarra a los 15 años, después de haber intentado aprender violín por un par de años. Cuándo cumple 19 años se muda a Canadá, donde estudió música y producción de Audio. Ha trabajado en sesiones para diferentes proyectos además de haber sido miembro de bandas canadienses como DarkStone Crows, Lady Índigo, así como haber fundado y producido Band Against Humanity y The Bungalows.

Fernando Iván Sabido “Potter” Baterista

Comienza a los 14 años a tomar clases de batería en la CDMX. a los 17 años participa en su primera banda, y ha trabajado como músico de sesión para varios artistas independientes, además de participar en proyectos tales como: ikarus, Matus blues, Don pirry, Alfonso Torres, etc. Recientemente tocó en Corea del Sur con la banda X-Ray, una de las mejores bandas juveniles de la provincia de Gangwon, en la capital Seúl. Actualmente participa en un proyecto llamado “Opera Space” haciendo un tributo a Queen y Michael Jackson.

David Granados “El flaco”

A la edad de 19 años comienza su andar en la música cantando con la banda “Gardenía”, después forma el grupo “Pigmaleón”, con quienes empieza su camino como compositor. Ha cantado en bandas como “Nivel 4”, “Imágenes etéreas”, y en 2005 crea el grupo “Ruta perdida”, con el cual hasta la fecha sigue trabajando. En el 2010 da vida al proyecto “Unión libre” donde graba su primer material propio inédito, además de participar en el disco de estudio de la banda “altanera”.

Ha sido además cantante de sesión para distintos proyectos y distintos géneros, y ha participado en proyectos como “Los rock dealers”, y en el 2017 hace el tributo a Deep purple llamado “Deepest purple band” y en 2018 ingresa también a “Los smokers” siendo consideradas una de las diez mejores bandas de Querétaro por, entre otras cosas, el tributo a Caifanes que presentan.

Construyendo puentes. Arte chicano / mexicano llegará al MUPO

Construyendo puentes. Arte chicano / mexicano de Los Ángeles a Ciudad de México, a través de una selección de obras, presenta cómo los lazos artísticos trascienden la identidad individual y las fronteras. La muestra forma parte del programa de exposiciones itinerantes del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y el Museo de Arte Carrillo Gil (MACG), por lo que esta vez se expondrá en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, este sábado 3 de agosto al domingo 27 de octubre.

Con la curaduría del especialista en arte chicano Julián Bermúdez, la exposición reúne una selección de obras realizadas por varias generaciones de artistas chicanos del sureste de California, Estados Unidos. Se trata de alrededor de 70 obras de más de 30 artistas, elaboradas en técnicas tan diversas como pintura, escultura, fotografía, collage, video, dibujo, instalación, performance y técnicas mixtas.

La exposición es una iniciativa del Museo de Arte Carrillo Gil, recinto que la albergó de septiembre a noviembre del año pasado, con la intención de llevarla a varios espacios del país, en una colaboración de la Secretaría de Cultura a través del INBAL, la Secretaría de Relaciones Exteriores y la empresa AltaMed Health Services, de Estados Unidos, a quien pertenece la colección.

Construyendo puentes. Arte chicano / mexicano de Los Ángeles a Ciudad de México tiene la finalidad de analizar la manera en que los artistas chicanos de distintas generaciones exploran el carácter híbrido de su cultura, a través de cinco temas: Diamantes rebeldes del sur, Imaginando paraísos, Extranjeros en su propia casa, Mapeo de identidad y Superando las separaciones en la dualidad cultural.

Durante 50 años de existencia, el arte chicano, siempre en transformación, se ha conformado a sí mismo como una de las principales corrientes del canon creativo estadounidense. Asentado sobre cuatro culturas –la precolombina, la hispánica invasora, la mexicana y la estadounidense–, el arte chicano se inspira en éstas y se desarrolla a partir tanto de sus raíces como de las décadas de opresión que han sufrido quienes lo practican y sus familias.

Por ello, al ampliar la perspectiva de la apreciación del arte chicano y latino más allá de su hogar estrictamente geográfico, esta exposición pone de manifiesto los inexorables lazos que estos artistas tienen con México, y cómo transcienden la identidad individual y las fronteras, dijo en su momento el curador Julián Bermúdez.

Nacido a mediados de la década de los sesenta, junto con los protestantes de la Guerra de Vietnam y el movimiento Black Power a favor de los derechos civiles, el llamado Movimiento Chicano en Estados Unidos desafió la categorización y los estereotipos ampliamente divulgados entre la población anglosajona, así como a los centros educativos públicos, plagados de deserción, que pregonaban que los latinos eran incapaces de lograr un nivel de vida de clase media.

Estos problemas se convirtieron en los temas centrales de los primeros artistas chicanos. El realismo expresionista y franco de sus obras atraía a un público de arte que se había hastiado de las sucesivas tendencias del sistema establecido en pinturas poco representativas, expone Bermúdez.

Y agrega: “Con habilidades altamente desarrolladas y gran originalidad, estos artistas de origen dual, mexicano y estadounidense dirigieron las miradas hacia la cultura latina, no sólo destacando los conflictos con la sociedad anglosajona, sino también alardeando, celebrando y elevando los elementos de la cultura y tradición latinas que el mundo anglosajón ya no podía ignorar.

“Tanto los avances como las dificultades de las últimas cinco décadas han ayudado a dar forma a la evolución del arte chicano y latino. Estos artistas expandieron su expresión creativa y demostraron gran destreza para desarrollar y representar sus mitologías, metodologías y filosofías. Introdujeron una destacada y original escuela en la historia del arte”, afirma el curador.

Construyendo puentes. Arte chicano / mexicano de Los Ángeles a Ciudad de México se presentará del sábado 3 de agosto al domingo 27 de octubre en el Museo de los Pintores Oaxaqueños, ubicado en Av. de la Independencia núm. 607, esquina con García Vigil, Centro de la ciudad de Oaxaca.

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