Acuerda familia que medalla no llevará el nombre de Francisco Toledo

 

*Los hijos del artista plástico y el diputado federal, Sergio Mayer, se reunieron el pasado lunes 13 de enero en la Ciudad de México

 

Ciudad de México.- Con la finalidad de respetar la postura del maestro Francisco Toledo y llegar a un buen acuerdo con el Congreso de la Unión de México, que planteó nombrar a una presea: Francisco Toledo; el pasado lunes 13 de enero se llevó a cabo una reunión entre la familia Toledo y el diputado Sergio Mayer, estando presentes, Natalia, Laureana, Jerónimo y Sara López, la última también representando a su hermano Benjamín López y su madre Trine Ellitsgaard.

 

Durante la reunión acordaron que la medalla no llevará el nombre de Francisco Toledo, los diputados buscarán otorgar la presea a una persona que destaque artísticamente y este comprometido con la labor social, siguiendo así el espíritu del maestro Toledo.

 

Natalia, Laureana, Jerónimo y Sara López dijeron estar agradecidos con el Congreso de la Unión y con el Diputado Sergio Mayer por abrir el diálogo respecto a esta presea y comprender las razones para que la medalla no sea llamada Francisco Toledo, de esta manera respetan la memoria de su padre.

 

Sergio Mayer dijo que va a trabajar con los demás diputados para lograr el cambio de nombre a la medalla, los hijos de Francisco Toledo indicaron que valoran el trabajo legislativo en el Pleno y acordaron colaborar con el diputado federal, para que sea portavoz y gestione, construya los consensos necesarios, dialogue con las instancias directivas y los diputados promoventes, así como con las comisiones correspondientes y los legisladores en general de la Cámara de Diputados, con el propósito de que la Medalla no lleve el nombre de Francisco Toledo.

 

Agregaron que apoyan que el Congreso de la Unión de México, a través de una presea, reconozca el trabajo social, cultural y artístico que realizan las personas en el país, ya que es un incentivo para que sigan trabajando por México.

 

Los hijos de Toledo manifestaron que su padre nunca fue partidario de recibir reconocimientos, homenajes o que su nombre fuera utilizado para algún premio y que tras la muerte del artista buscan que su legado sea fiel a como él lo llevó en vida y su postura se respete ya que siempre mantuvo su vida privada.

 

Francisco Toledo falleció el pasado 5 de septiembre. En vida, con mucho respeto, declinó varios reconocimientos, porque siempre trabajó con la única intención de poner el arte, la cultura y la educación artística al alcance de más personas, esto lo hizo de manera desinteresada.

 

El artista plástico ha sido reconocido por su obra artística y por su labor social, fundó varios espacios culturales, en la década de los 70 del siglo pasado propició

 

la creación de la Casa de la Cultura de Juchitán de Zaragoza, en 1988 fundó el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca (IAGO) que hoy posee una de las bibliotecas especializadas en arte más importantes de Latinoamérica, el 1996 el Centro Fotográfico Manuel Álvarez Bravo (CFMAB), en 1997 la Fonoteca Eduardo Mata, en 2006 el Centro de las Artes de San Agustín (CaSa), entre otros espacios.

 

Toledo a lo largo de su vida abanderó distintas causas sociales, como la protección del maíz nativo ante la entrada de las semillas transgénicas, cuidó del patrimonio, siempre pidiendo respeto hacia los monumentos históricos y las zonas arqueológicas y también colaboró en la conservación de la naturaleza en México.

 

 

Un lugar seguro de Rame Cuen en el San Pablo

 

Oaxaca de Juárez, Oax.- La obra del artista Rame Cuen se exhibe el Centro Cultural San Pablo y se podrá visitar todo este mes de enero.

 

El pretexto de Efraín Velasco que se muestra en la exposición explica del que se desprende la ejecución del assemblage “Un lugar seguro”, de Rame Cuen (1976) , es un momento de la historia de vida de la familia Martínez Martínez, quienes ocuparon una playa del Río Atoyac a espaldas de la zona de bodegas de la Central de Abasto.

 

Ahí vivieron por un tiempo, mientras recogían y almacenaban los huacales que revendían.

 

La base conceptual de este trabajo no intenta la recomposición de una anécdota, sino que, a través de la red de relaciones históricas, sociales, políticas y personales que propone esta pieza, Cuen cuestiona la idea hegemónica del territorio tanto en la representación última de la pieza como en la misma noción de lo que estamos acostumbrados a vivencias como modelo expositivo, uno más “entendible” y “delimitado”.

 

Un lugar seguro es una pieza compleja, multitudinaria , híbrida, transitable. Un fractal que, aunque sus piezas sean individualmente operativas, también se activan en un nivel de discursividad con el tránsito de público por el espacio.

 

Recorremos del territorio de la fotografía al del arte objetivo, pasando por el video y la intervención, sin recortar, como en un flujo de conciencia, en un paso ininterrumpido a través de ambientes diversos, como entre lo fatal y salvaje que tiene la belleza de todos nuestros días.

 

De Juchitán a Huatulco llegó exposición de Michel Pineda

 

César Rito*

 

Juchitán, Oax.- El viento corre, toca puertas y ventanas como insomne ciego, desesperado; dentro de las acosadas viviendas mujeres y hombres, entre el calor, sueñan con imágenes extraordinarias: lunas que hablan, peces que vuelan entre mares de color, mariposas derretidas en el aire: las miradas se cruzan en la calle y, en los pequeños espacios de lo cotidiano, surgen pinceles y pintores bajo la luz del alba.

 

Para el artista visual Michel Pineda (Juchitán, Oaxaca, 1988) en la pintura hace falta regresar a la poesía que da la naturaleza, aprender a ver y sentir, renovar las formas en el lenguaje de la plástica, no respetar fronteras entre esténcil, gráfica, grafitti o el óleo.

 

La exposición Migraciones conformada por 20 piezas en pequeño formato, con técnicas que conviven –surgen- del azar controlado, grafitti y gráfica se presentaron a finales del mes de diciembre en Casa Tilcoatle (Chacáh 410, La Crucecita, Bahías de Huatulco).

 

-¿Pasados los trabajos de reconstrucción, cómo se encuentra la plástica juchiteca?

 

-Está detenida, los 25 pintores locales se quedaron en un pasado-presente, se estancó el movimiento plástico a partir de los hechos del sismo; los pintores juchitecos tienen que migrar para encontrar su rumbo.

 

Afuera, en la calle, el viento azota las ramas de un almendro, lame las hojas largas, verdes, como quien besa las lágrimas de su amada.

 

Durante el sismo de septiembre del 2017, Michel Pineda estaba al frente de la dirección de Cultura del Ayuntamiento de Juchitán de Zaragoza, su comunidad de origen, pudo observar de cerca la emergencia y la recuperación, los daños causados en el pueblo zapoteca por el movimiento telúrico.

 

-¿El título de la exposición, Migraciones, tiene algo que ver con los miedos, el pueblo que se derrumba en el sismo, el espacio derruido?

 

-El título tiene que ver con el viento, y con los miedos: el tema es el viento como el origen del entorno, somos nada.

 

En la calle ladra un perro, se escuchan pasos de gente que hace la vida bajo el sol inclemente: bajo la intensa luz una mujer de enagua verde, huipil negro, sostiene una toalla blanca sobre su cabeza, con el viento fuerte que agita su ropa pareciera que en cualquier momento emprenderá el vuelo por los cielos.

 

Con tres exposiciones individuales en su registro: Narco-Pop, Poética del viento y Vientos de octubre, así como su participación en diez exposiciones colectivas, Pineda es considerado uno de los valores emergentes de la plástica local.

 

-Con Migraciones volveré a lo figurativo, presentaré piezas que conviven con el esténcil, el grafiti y la gráfica, tan vigente por estos días en la ciudad de Oaxaca.

 

-¿Cómo surge el concepto de Migraciones?

 

-Luego del sismo me dio por salir a las comunidades, los pueblos, caminar, tanta destrucción me pedía aire, espacio abierto; en la laguna pude observar lo cotidiano: el viento que se lleva al mar, lo retira sobre las arenas, las ondulaciones del agua y la arena;  la migración de las aves, desde ahí pinto mis imágenes.

 

Por la tarde, en el parque central Benito Juárez, las pocas parejas de enamorados buscan un sitio dónde protegerse del viento, un lugar apartado de las miradas: aparece una banda, un árbol, los restos de una caseta del comercio ambulante; cuando entra la noche los zanates pelean con el aire que pretende arrastrarlos al mar.

 

Michel Pineda realizó estudios en la Escuela de Bellas Artes de la UABJO, cursó clínicas de especialización en Arte Contemporáneo en la Curtiduría, así como un diplomado en Artes Visuales en el Centro de las Artes San Agustín, Oaxaca.

 

Cuenta con invitación internacional para el 2020, dos proyectos en Colombia: residencia de artista y exposiciones, promovidas por los curadores Neil Piere y Santiago Rueda.

 

En sus datos biográficos se señala que recibió la beca de la Colección Gigante para cursar Clínicas de Especialización en Arte Contemporáneo (CEACO 2010-2012) y el PECDA 2012, de Jóvenes Creadores.

 

Los integrantes del Colectivo Tilcoatle lo invitaron a exponer en Bahías de Huatulco, “porque fue con la colaboración de los jóvenes artistas como Oaxaca encuentre una cabal expresión plástica”.

 

-Para empezar, luego del sismo, tengo que buscar la periferia, iniciar donde no existe nada: Huatulco no cuenta con un movimiento cultural, una ebullición de la pintura como ocurre en la ciudad de Oaxaca o en el Istmo de Tehuantepec; las bahías de Huatulco forman, a nivel cultural, el sitio donde termina el país.

 

Junto al parque central, por la tarde, aparecen entre ruinas los puestos de cena: amplias mesas con manteles de cuadros rojos o azules, las garnachas, junto al viejo edificio de Correos; enfrente, abre su boca desdentada el palacio municipal, con su reloj que marca la hora del nunca jamás mientras mujeres y hombres salen a beber el tradicional bupu. (*sucedioenoaxaca.com).

 

Conservatorio de Danza de EU presentará taller en la Casa de la Cultura Oaxaqueña

 

*Maestros y alumnos de los Conservatorios de Boston y San Francisco California, visitarán la entidad

 

La Casa de la Cultura Oaxaqueña (CCO), abre sus puertas para la presentación del taller de danza contemporánea, que impartirán maestros y alumnos de los Conservatorios de Boston y San Francisco California; con el objeto de que las y los bailarines Oaxaqueños acrecienten sus técnicas para generar un mejor espectáculo sobre los escenarios.

Al respecto, la Ing. Gabriela Cueto Cruz, Directora General de la CCO, hizo énfasis en la importancia de generar acercamiento con Instituciones Nacionales e Internacionales, para extender la preparación de los alumnos y maestros de la Casa, buscando fomentar la individualidad, la diversidad y la unidad en cada movimiento corporal de nuestros artistas, señalo.

De igual manera, la Ing. Cueto Cruz, comento que se tiene contemplado un taller gratuito y una muestra de danza contemporánea por parte del colectivo “Juntos” que reúne a conservatorios Estadounidenses; mismos que se llevaran a cabo el viernes 10 de enero de 2020, a partir de las 15:00 Hrs., en el Foro Margarita Maza de la CCO, con inscripciones totalmente abiertas al Público, sin costo alguno.

La Mtra. Joana Poz Molesky, Fundadora del Colectivo “Juntos” destacó que desde 2008, trabaja con jóvenes estudiantes de los mejores conservatorios de danza de Estados Unidos, quienes constantemente preparan diferentes programas con impacto social, como medio para generar autoconfianza, expresión e intercambio cultural, uniendo a la comunidad por medio del arte.

La Lic. Susan Hrozek, Directora Internacional del Colectivo “juntos”; agradeció el acercamiento que se tuvo con la Casa de la Cultura Oaxaqueña, quienes abrieron sus puertas para la presentación de este trabajo, el cual se ha venido realizando en comunidades mexicanas, así como en los más importantes recintos culturales del mundo.

Caroline Shaiber y Anniela Wuidobro, líderes Internacionales del Colectivo, realizaron la invitación a las y los Oaxaqueños para participar en el taller, que además de aprender, genera un vínculo importante en el desarrollo de las artes, para futuras presentaciones en otros estados y países con escenarios de alto nivel.

La CCO invita a que los visiten este viernes 10 de enero, en el taller de danza contemporánea impartido de la mano de grandes maestros Estadounidenses, quienes compartirán su talento en un día exhaustivo de actividades, porque #TuDosisDeCulturaEsCCO

 

El pintor oaxaqueño Carlos Bazán crea el arte de “Party of five”

 

*La obra del artista es parte del arte de la serie que se estrenó en el canal de televisión Freeform, propiedad de Disney

 

Oaxaca de Juárez, Oax.- La obra pictórica del artista Carlos Bazán Ramos (San Cristóbal Suchixtlahuaca, Oaxaca, 1993) acompaña la promoción de la serie Party of five, con la edición en el diseño gráfico de switch creative, que se estrenó el pasado 8 de enero por el canal estadounidense Freeform, propiedad de Disney.

 

Dos pinturas de gran formato del autor de raíces chocholtecas son parte de los espectaculares y cartel de la producción que retoma la migración como uno de los ejes de la trama.

 

Carlos Bazán fue invitado para crear parte del arte de la serie, luego de que su trabajo destacara de entre una selección de autores latinoamericanos.

 

En las pinturas de gran formato, con dimensiones de entre 1.5 y 3 metros, Carlos Bazán recreó a los integrantes de la familia. En la pieza de formato horizontal, Carlos siguió la petición de guiarse en la trama de la serie, que reinventa a la del mismo nombre transmitida entre 1994 y 2000. A diferencia de esta, que parte de la muerte de los padres de los Salinger, la actual aborda las dificultades de los hermanos Acosta, quienes tratan de mantenerse como familia luego de la deportación de sus padres.

 

Por ello los padres están separados de sus hijos por un árbol como los que caracterizan la obra de Bazán Ramos. En uno de sus costados, esta escena tiene magueyes y nopaleras como las de varios territorios de México; en otro, edificios similares a los de las grandes urbes de Estados Unidos. Pero la unión y la esperanza se reflejan en la especie frondosa y colorida que se expande sobre las cabezas de los personajes.

 

“Buscaban que a través de la pintura plasmara la trama, de qué es para los hermanos quedarse solos en Estados Unidos y que sus padres intentan regresar, pero no pueden”, detalla el también muralista.

 

La pintura vertical fue de creación libre, por lo que el artista plasmó a una familia de gorriones en un abrazo fraternal que envuelve a la descendencia.

 

“Acepté el encargo porque es una gran oportunidad”, comenta el artista cuya obra se observa desde hace días en los espectaculares de la serie, en sitios como el Times Square, en Nueva York, así como en distintos puntos de Los Ángeles, California y otras ciudades de Estados Unidos.

 

Carlos, cuya obra pictórica se ha compartido en otras exposiciones del país vecino y en México, espera que luego de esta participación la obra se parte de una exposición relacionada con la migración y la vida de connacionales en Estados Unidos, la cual se presentaría en Los Ángeles y El Paso (Texas), en aquella nación. Además de Ciudad Juárez, en México.

 

Carlos Bazán es un pintor y muralista de la región Mixteca de Oaxaca, que comenzó su experimentación en el arte a partir del grafiti, cuando estudiaba la secundaria. Al ingresar al bachillerato, tomó clases de pintura con el artista español Enrique Martorell, en la Casa de la Cultura de San Pedro y San Pablo Teposcolula. Posteriormente, se formó en pintura al fresco con el artista Jesús González Gutiérrez.

 

Su obra se ha expuesto en diversas ciudades de México y Estados Unidos, además de España. Entre sus últimas exposiciones están la individual Ocaso (octubre-noviembre de 2019 en el Consulado General de México en el Paso, Texas), la realizada junto con  Damasco, Dualidades (julio de 2019 en elMuseo de Arqueología e Historia el Chamizal, Ciudad Juárez, Chihuahua) e Inmersos (mayo de 2019 en la galería Blank, en Mérida, Yucatán).

 

Su más reciente mural, titulado Siempre regresaré al lugar que me vio nacer, lo realizó en el Centro Mexicano de la Tortuga (Museo de la Tortuga, en Mazunte, Oaxaca, en octubre de 2019).

 

Darán instrumentos a Filarmónica de Ayutla, tras robo

Samantha NOLASCO/ El Financiero

 

Ciudad de México.- La Banda Filarmónica de Ayutla reconoció el apoyo que le brindó la sociedad civil, luego de que el pasado 13 de diciembre delincuentes entraron a sus instalaciones para robar los instrumentos de esta agrupación que es conformada en su mayoría por niños y adolescentes de la comunidad de San Pedro y San Pablo Ayutla en la Sierra Mixe de Oaxaca.

“Nuestra población se organizó y mediante la solidaridad y cooperación afrontamos los primeros impactos de la crisis que vivimos”, se lee en un comunicado que compartieron mediante redes sociales.

El aviso se hizo viral cuando la lingüista Yásnaya Elena Aguilar Gil hizo públicas las fotos de los afectados, pidiendo justicia por sus instrumentos robados. Cuyo delito sigue todavía sin esclarecerse.

Y aunque el Gobierno del Estado de Oaxaca, expresó su solidaridad y giró órdenes a la Secretaría de Cultura (SECULTA), que encabeza Adriana Aguilar, en el comunicado publicado por la Filarmónica el pasado miércoles se reconoce mayormente la acción y apoyo civil de quienes ya recibieron donativos.

“Nos conmueve profundamente que ante las diversas tragedias que se viven día a día, sea la sociedad civil la primera en actuar y organizarse. El Gobierno del Estado, enterado posteriormente de la situación, ha declarado que han realizado las gestiones necesarias para restituir los instrumentos [..] noticia que confirmamos como autoridades del Comité de la Banda Filarmónica”, dieron a conocer.

Destacaron que las donaciones que ya se hicieron serán utilizadas para cubrir la adquisición de atriles, que no se consideraron en la lista de restitución que hará el Gobierno del Estado, así como de otras necesidades de la Banda.

También dieron a conocer que la entrega oficial de los instrumentos por parte del gobierno local será en la tradicional “Noche de rábanos”, el 23 de diciembre en el zócalo de la Ciudad de Oaxaca, para el 26 de diciembre en la comunidad de Ayutla agradecer con música de sones y ceremonias comunitarias los donativos que hicieron, evento al que dejaron una invitación abierta a todo público.

 

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Luis Hampshire refrenda su identidad con “Metate, ola chica”

Ciudad de México.- La obra “Metate, ola chica” del artista plástico Luis Hampshire, ganadora del Premio de Adquisición en la XVIII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, es parte del proyecto Mole negro en el que el pintor ha trabajado en los últimos cuatro años.

En entrevista, sostuvo que nombrar su obra como un clásico platillo oaxaqueño también representa identidad y añadió que en dicho proyecto ya suman más de 80 piezas que conforman una gran instalación de pintura, grabado, collage, video y aún faltan más.

Hampshire (1975), egresado de la licenciatura en Arte por la Universidad del Claustro de Sor Juana en la Ciudad de México, explicó que tomó como pretexto (el mole) “este platillo de Oaxaca para reflexionar las formas como entiendo la pintura, la idea de mezclar, triturar ideas e imágenes. El cuadro ganador de la bienal es un gran metate donde todo es triturado para después introducir este fluido de ideas, visualidades e historias mías”.

La pieza de gran formato está elaborada con óleo, spray, espejo, cuadro incrustado, recortes de tela y papel sobre tela.

“El cuadro ola chica, pegado sobre la pintura, es una bañista como si estuviera en una playa; es un pretexto a partir del cual se va desarrollando una armazón visual; el cuerpo parece fragmentado, es una estructura porosa que habla del cuerpo y de mi cuerpo cuando estoy pintando”, detalló.

Indicó que su obra es una metáfora. El mole negro está integrado por muchísimos ingredientes y no hay receta única. Cada familia tiene su ingrediente secreto, de manera que “nunca pruebas de un mismo tipo de mole. Eso me interesa hacer con la pintura; hay un aspecto técnico, pero siempre en el taller ocurren accidentes, cosas que van derivando la pintura en otra cosa.

Nombrar su obra como un clásico platillo oaxaqueño también representa identidad. “Me interesa mucho trabajar, no desde lo obvio, sino desde lo que es la cultura que se asume, se vive y, justamente, en este caso, se investiga”, apuntó el artista oaxaqueño.

Consideró significativo haber ganado. “Rufino Tamayo está en el top de mi lista de pintores que sigo y siempre me han interesado, me sitúa en la historia como una genealogía, desde el maestro hasta 2019, y eso es importantísimo.

“Participar y ganar es significativo, estoy feliz por esta situación. Como artista había participado durante 10 años. En 2011 gané una mención, después fui jurado y en esta ocasión, ganador”.

Destacó la importancia de que concursos como la Bienal tengan continuidad y vayan complejizando la situación de lo que es la pintura en México, lo cual es relevante no sólo en el país, sino en el mundo. Esperemos que crezca este concurso, dijo el artista.

Luis Hampshire ha recibido menciones honoríficas en la XV Bienal de Pintura Rufino Tamayo, la VII Bienal de Monterrey-Femsa, el XXIV Encuentro Nacional de Arte Joven, la III Bienal del Pacífico de Pintura y Grabado y la II Bienal de Pintura del Sureste Joaquín Clausell, entre otras.

Ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en la emisión 2012 y 2016. Es profesor de la especialidad de pintura y la cátedra de arte contemporáneo en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca (UABJO) desde 2009. Actualmente es tutor de la disciplina de Jóvenes Creadores del Fonca.

 

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Exposición del MUFI se exhibe el Museo de Sitio de la Zona Arqueológica de Monte Albán

Jenny SÁNCHEZ

Fotos: MUFI

 

“La arqueología de México en sus timbres postales” es el título de la exposición del Museo de Filatelia de Oaxaca, MUFI que se exhibe en el Museo de sitio de la zona arqueológica de Monte Albán.

La muestra se realiza en el marco de la conmemoración del 30 aniversario de la inscripción en la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO del Centro Histórico de la Ciudad de Oaxaca y zona arqueológica de Monte Albán.

De acuerdo con información del MUFI, la muestra enfatiza en un breve análisis de la serie, desde el punto de vista del coleccionismo, así como el contexto histórico de la estampilla y la importancia de sus motivos.

Los recintos históricos, personajes y monumentos representados en las estampillas postales nacionales, que reunidos se convierten en ecos del pasado, son un recurso cultural que nos ayuda a comprender el complejo patrimonio que hoy forma a México como uno de los países con mayor número de recintos declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. En dicha lista también destacan recursos intangibles considerados por su valor cultural, por ello, son reconocidos a través de la filatelia mexicana.

También se exhiben piezas especiales como pruebas y errores de impresión que integran la colección del filatelista Enrique Trigueros Legarreta.

Las pequeñas piezas del coleccionismo filatélico nos dan la oportunidad de reunir, en un mismo espacio, los símbolos, edificaciones y representaciones culturales del extenso territorio mexicano.

Cada motivo grabado en las estampillas postales tiene una historia que contarnos.

 

“Decepción y Verdad”: obra reciente de Arthur Miller

Tamara LEÓN/ Sucedió en Oaxaca

 

 

La exposición Decepción y Verdad de Arthur Miller conforma la obra reciente del artista y arqueólogo norteamericano residente en Oaxaca desde hace más de 25 años. En palabras de Fernando Solana: “el encuentro de Arthur Miller con otro nivel de su obra plástica, ahora más conceptual y discursiva, intertextualizando en ella con influencias capitales del arte contemporáneo, incorporando un tercer volumen en algunas superficies que alcanzan lo escénico, grafiteando superficies cual muros públicos, presentando piezas en encaustos y pequeñas figuras hechas en alambrón, todo ello -metamorfosis varias- puede condensarse en otro cambio dentro de esos cambios: la paleta del pintor”.

Arthur Miller nació en Nueva York (EE.UU). Está doctorado en Historia del Arte, Arqueología y Antropología por la Universidad de Harvard. Estudió con los artistas neoyorkinos Jack Tworkov y Alex Katz, quienes formaron su interés en combinar lo representativo con lo abstracto. Fue merecedor de la beca Fulbright para estudiar pintura en París donde tuvo su primera exposición individual en la Galerie du Tournesol en 1965.

Es un artista que ha logrado incorporar la sabiduría de la arqueología en su obra, además de ser reconocido como artista plástico, también es conocido internacionalmente como arqueólogo e historiador de arte.

Tiene una carrera académica en la Universidad de Yale, en el Museo de la Universidad de Pennsylvania y en la Universidad de Maryland, College Park (EE.UU.) donde fue nominado Catedrático en Historia del Arte y Arqueología de Latinoamérica; en 1992 fue nominado “Distinguished University Scholar”. Sus publicaciones como arqueólogo e historiador incluyen seis libros sobre las tradiciones de pintura mural y escultura en México y Guatemala y más de setenta artículos. Sus libros incluyen estudios de los murales de Quintana Roo y el Valle de Oaxaca, México. Le fue ortogado el “Centennial Prize of the Society of Americanists”, París, Francia y obtuvo una beca Guggenheim en 1973.

Posteriormente retomó la pintura en Oaxaca, México. Ha expuesto su obra en el Museo de las Culturas de Oaxaca del Centro Cultural Santo Domingo y en la Galería Rufino Tamayo de la Casa de la Cultura Oaxaqueña.

En diciembre de 2005 fue invitado a realizar una travesía de dos meses como pintor a bordo de la Nao Victoria (una réplica de la embarcación que realizó la primera vuelta al mundo: 1519-1522).

En su obra, Miller incorpora su íntimo contacto (como arqueólogo) con pensamientos prehispánicos en su obra plástica. Ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas en México, EE.UU. y Europa. Su obra forma parte de varias publicaciones y se encuentra en diversas colecciones privadas y públicas en México, los Estados Unidos, España, Francia, Sudán y África del Sur.

La exhibición Decepción y Verdad está acompañada por un catálogo numerado por el artista en el que varios autores especializados escriben sobre la obra de Arthur Miller, entre ellos Jorge Pech quien menciona: “Miller revisa mediante diseños depurados y concisos esquemas diversas representaciones literarias, cinematográficas y míticas de lo engañoso: desde los endebles conjuros del Mago de Oz y el juego de simulaciones de espías cinematográficos, hasta las elaboradas trampas y desengaños que agobian a Sísifo y a los dioses de la Leyenda del Quinto Sol”.

Por su parte Sol Álvarez destaca la importancia de la obra de Arthur Miller: “radica en que pone al mito nuevamente en funciones, por la vía plástica invita a obtener nuevas percepciones tanto del mito de Sísifo como de lo que este significa ya en el plano individual, ya en el social”.

Finalmente, Tamara León compara al artista con un brujo: “mientras engaña al ojo muestra cosas sorprendentes, extraordinarias formas en su obra realizada con un rigor de los grandes maestros de la técnica revelada por pigmentos aplicados con paletas, alambrones retorcidos, cera caliente y aplicaciones de imágenes lenticulares que producen movimientos”.

La exposición Decepción y Verdad es exhibida en la Galería Arte de Oaxaca desde el pasado 12 de diciembre.

 

Nacer del barro lo más sagrado que existe: Rufina Ruiz López

“Siempre he dicho que nacer del barro, crecer en el barro y comer del barro es lo más sagrado que existe” expresó Rufina Ruiz López, ceramista de Santa María Atzompa que ha explorado la técnica de cerámica e indagado en la historia de su comunidad para realizar piezas contemporáneas que presenta en la exposición Voces que nacen del subsuelo.

La muestra de Ruiz López se inaugura mañana domingo 15 de diciembre a las 12:00 horas en la galería Chalet del Centro de las Artes de San Agustín (CaSa) un sitio donde la creadora ha tomado diversos talleres de capacitación que le han ayudado en su trabajo.

Voces que nacen del subsuelo es una recopilación de piezas que muestran qué se hacía anteriormente en Santa María Atzompa hasta llegar a obras contemporáneas.

“Antes la cerámica que se hacía no era de color anaranjado, era gris, un tono que podemos ver en las piezas del sitio arqueológico. Quise retomar la historia de lo que era el Atzompa ancestral. Las ollas anteriormente se ocupaban como urnas; en la cultura zapoteca ya se hacían las ollas y eran gigantes. Ahora estoy retomando algunas piezas que ya no se hacen; quiero mostrar lo que se hacía antes”, explicó la artesana.

Ruiz López comenzó en este arte de manera lúdica, ya que a los cinco años jugaba con el barro, “a esa edad no te dicen que es un trabajo, es una forma de aprender desde pequeños para reconocer los materiales, es un juego. Desde niños iniciamos con el oficio, no vamos a recolectar los materiales, pero empezamos a reconocerlos, los ponemos la sol y le quitamos las impurezas”.

Comentó que las piezas que más elaboraban eran cazuelas, chirmoleras, cajetes y todo lo que ocupaban para preparar la comida.

“Me encantaba hacer molcajetes, porque no tienes necesidad de regresar a hacer una segunda revisión de la pieza, en una cazuela regresas a poner asas, a detallar. La chilmolera la podía producir rápido” dijo Ruiz López.

Para Rufina Ruiz retomar su raíz ha sido algo importante, “todos somos un ciclo y volvemos a empezar de donde nacimos” mencionó la artista.

“Nací con la tradición, ¿cómo perfeccione la técnica? fue cuando me invitaron al CaSa y después participé en una exposición colectiva, fue ahí donde dije: esto es lo mío”.

Ruiz López platicó que desde entonces continuó participando en las actividades del CaSa “ahí nació esa visión, era la oportunidad que necesitaba en ese momento, digamos que todo mi nivel académico artístico lo recibo del Centro de las Artes de San Agustín, tuve grandes maestros y gracias a ellos ahora tengo esta visión para hacer la escultura”. La ceramista tomó talleres con Gabriel Macotela, Claudio López y Adán Paredes.

“Exponer siento que es un paso muy especial, pero también de mucha responsabilidad. Siempre he dicho que ese semillero que hizo el maestro Francisco Toledo, fue un gran aporte, porque le dio las herramientas a los artesanos, a mi en lo personal me dio esas herramientas para seguir adelante, ahora es seguir y aplicar lo que me enseñaron”, indicó Rufina Ruiz.

La exposición, platicó, ha sido un aprendizaje, “no sólo a nivel personal y profesional, sino como mujer, me han dado la oportunidad de crecer dentro del arte, con un diálogo artesanal diferente. Es difícil que existan las oportunidades para nosotros los artesanos, quiero agradecer al maestro Toledo y al CaSa que fueron los fundadores de mi carrera artística”.

Voces que nacen del subsuelo reúne alrededor de 30 piezas trabajadas en las técnicas de reducción y de churro. Rufina Ruiz reconoció el apoyo que le ha brindado su familia, amigos y maestros a los que recurrió cada que tenía una duda.

 

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